Teatro: I.D.I.O.T.A, con Luis Machín y María José Gabín

I.D.I..O.T.A es una obra de teatro en la que su relato comienza a partir de una sesión psicológica que aparentemente tiene finalidades científicas, en la que someten a un individuo promedio a una serie de pruebas intentando expandir al máximo su intelecto mediante situaciones de presión. Lo interesante de esta puesta en escena es que también juega con el intelecto del público presente, que estará atento a los enigmas que se irán brindando, dejando hacia al final una sorpresa que dará sobre que pensar a más de uno. En fin, todos somos los idiotas que formamos parte de esta ingeniosa puesta teatral.

Un hombre se presenta a unas remuneradas pruebas psicológicas. Lo que él piensa que será una manera fácil y sencilla de conseguir el dinero que necesita para resolver sus problemas económicos se convertirá en una auténtica pesadilla de la mano de una atractiva psicóloga, quien, a través de preguntas y enigmas, le obligarán a dar lo mejor de sí si quiere evitar un fatal final.

La historia comienza en una sofisticada sala donde un hombre es llevado para realizar una serie de pruebas psicológicas, por las cueles se le ha prometido un pago por cincuenta mil pesos, una vez finalizada la sesión. Desde un principio podemos reconocer que el único interés de este hombre era el dinero que iba a recibir solo por someterse a una serie de preguntas, que para el iba a ser algo muy sencillo pero que al final se convierte en una tortuosa sesión donde debe abrir su mente al máximo si quiere proteger a los que más quiere. De esto se trataba la prueba, de someter a una persona que se encuentra por debajo del promedio a una presión constante para evaluar hasta que punto puede expandir su mente si no tiene otra opción más que hacerlo. A medida que las pruebas avanzan todo va subiendo de nivel, tanto los enigmas a resolver como a la gente que se le pone en peligro, hasta llegar a un punto en que todo explota, terminando con una ingeniosa resolución que deja en desconcierto al público pero que cierra perfectamente en las intenciones que se tenían para llevar a cabo esas prácticas muy poco ortodoxas. 

En cuanto a las actuaciones toca resaltar el trabajo de ambos actores en escena, tanto Luis Machín como María José Gabín brillan con sus personajes complementándose entre si en esta lucha de poderes e intelecto. El personaje de Machín en un principio resulta fastidioso y hasta desagradable por momentos, aunque una vez que se las pruebas se tornan cada vez más tengas su personaje evoluciona considerablemente, siendo eso lo que la historia buscaba en el y que su actor lo ha interpretado notablemente. El personaje de Gabín es rígido y constante durante toda la obra, ella tiene que demostrar poder sobre el examinado, ella es quien se encarga de dirigir este perverso juego donde no puede dejar nada al azar. Ella y su equipo quieren demostrar algo con este sometimiento, y sin entrar en previsibilidades, es algo que logran desde un principio pero que hacia el final el público lo llega a comprender.

I.D,I,O.T.A es una más que ingeniosa propuesta teatral, que juega con el intelecto de todos los presentes en la sala para brindar una obra divertida y muy inteligente. Gracias a las soberbias actuaciones de Luis Machín y María José Gabín podemos sumergirnos en una historia que resulta muy efectiva al tomarnos a todos por buenos idiotas. 

FICHA TÉCNICA

Autor: Jordi Casanovas

Adaptación: Daniel Veronese

Elenco Luis Machín – Maria José Gabin

Director: Daniel Verenose

Asistente de dirección y Stage Manager: Gonzalo Martínez

Diseño de escenografía: Jorge Ferrari

Diseño de iluminación: Marcelo Cuervo

Diseño de vestuario: Daniela Dearti

Diseño Gráfico: Diego Heras

Fotos: Alejandra Lopez

Producción ejecutiva: Luciano Greco

Coordinación técnica: Alberto López

Coordinación de producción: Romina Chepe

Productor General: Sebastián Blutrach

Funciones: miércoles a domingos 20.30 hs

Teatro Picadero - Pje. Enrique S. Discépolo 1857

Entradas: De jueves a domingo $ 450.    Miércoles precio popular $ 300

Reseña: Himalaya de Juan Seré

 Himalaya es una pieza que hace volar la imaginación gracias a la armonización de múltiples elementos como un buen guión, una estética precisa y grandes interpretaciones que producen lo que experimentamos como piel de gallina.

 La obra se sitúa en la base del monte Manaslu, una de las cimas de Himalaya a 8163 metros de altura, donde un grupo de alpinistas tiene el objetivo de escalar hasta la cima de la imponente montaña. Un desafío que no sólo es físico, sino que encierra también una competencia mental, consecuencia de los egos de los integrantes.Sin embargo, como en toda aventura, están los que hacen el trabajo duro. En este caso son los sherpas, quienes allanan el camino y  hacen las marcas de la soga previamente en la montaña. Atravesando las consecuencias climáticas y demográficas, los alpinistas  y sherpas comienzan a subir y así desarrollar una historia llena de idas y vueltas, amoríos y traiciones, con un desenlace que reúne a los doce personajes en escena, demostrando la realidad de la lucha de clases, la lucha de género, la hermandad y la traición. En cuanto a los personajes, ninguno pasa desapercibido y cada relación deja una moraleja, una enseñanza. La química del triángulo amoroso de Blas, Helen y Fishi es precisa. Se retroalimenta a cada escena y tiene una cercanía con la idiosincrasia argentina, que despierta más de una mirada pícara en el espectador; al igual que la relación de Natacha y Tony, en donde se puede sentir la seducción y reírse a causa de sus resoluciones de cabecita de novia con el fin de conseguir reconocimiento por quien es. Lo mismo con la inteligente decisión de utilizar a la dupla de Tony y Samuel, quienes tienen la desfachatez que les otorga la juventud y se potencian logrando la comicidad a causa de sus egos más grandes que el mismísimo Himalaya.La enseñanza que entregan las actitudes de los sherpas Pibu, Catu y Mogli, dejan al descubierto las relaciones de dominación, y la subordinación a las autoridades a cambio de un vuelto. El hombre solo, como su nombre lo dice, sorprendido ante la presencia de Mogli; nos entrega expresiones fuera de lo común y actitudes extravagantes dignas de un hombre de su condición.Hay dos papeles que llaman la atención más por su presencia que por su dicción, es el caso de la cabra, quien en un principio parece el típico personaje gracioso, pero tiene la capacidad de entregar las frases perfectas en el momento justo. La otra interpretación que deslumbra visualmente es la de la diosa Manaslu, acompañada de un gran vestuario, una adecuada implementación de luces y un desplazamiento eficaz que hace sentir a los demás como diminutos seres humanos.
A través de la simpleza y los elementos justos, se logra generar en una humilde sala teatral porteña, una sensación de estar en Asia, donde las reducidas dimensiones del escenario no son una dificultad. 
 Con respecto a la escenografía, es para destacar el dinamismo con el que se modifica la misma con el correr de la obra. A partir de un todo se va desmantelando, incluso incorporando al elenco como parte de ella. Un gran mérito para el escenógrafo ya que es difícil lograr una modificación sin cortar con el hilo conductor de la historia narrada. El aprovechamiento del escenario en toda su dimensión genera una profundidad que permite por momentos la aparición de todo el elenco en escena.
 En cuanto a la iluminación, se juega mucho con el dualismo de las temperaturas  y los estados de ánimo. Es un complemento necesario y eficaz, ya  que a través de la simpleza, como puede ser una luz cálida, sumada a una buena interpretación en el momento justo, arroja resultados convincentes y generadores de emoción en el espectador.
 Por último es para destacar la capacidad del guión para entregarnos momentos de comicidad pero también abordando temas sensibles como la violencia hacia la mujer, lo cual nos dejan pensando lo instalado que está la diferencia de género.  
 Se percibe la dedicación y la evolución de esta pieza teatral en su segunda temporada que, tiene en la sala Ladran Sancho, un lugar físico perfecto para llevarla a cabo.

 Otro punto para detenerse y resaltar es la estética fría, plateada, húmeda, digna de la idea solitaria que se plantea. No sé si es porque el día de la función hacía frio, pero la magia que se produce transporta al espectador a la montaña, lo cual es un gran mérito para el equipo.

Ficha técnica

Himalaya / Dirección y dramaturgia: Juan Seré /

Intérpretes: Pablo Bronstein, Gastón Filgueira Oria, Manuel Iglesia, Marcos Krivocapich, Nicolás Levin, Francisco Ortíz, María Belén Ribelli, Eloy Rodríguez Tale, Carolina Stegmayer, Jennifer Sztamfater, Luis Tenewicki y María Agustina Trimarco /

Músico: Eloy Vicario Malich /

Vestuario: Bruno Chávez Couture /

Escenografía: Federico Dirrheimer y Juan Fiori /

Iluminación: Fidel Semería /

Música original: Ismael Pinkler y Eloy Vicario Malich /

Sala: Ladran Sancho, Guardia Vieja 3811 /

Funciones: domingos, a las 18 /

                                              


                                               Nicolás Rodríguez 

Reseña: Bollywood de José María Muscari

Esta semana se ha tenido el gran placee de asistir a la función de Bollywood, una industria sin estrellas, una obra de teatro que toma el concepto de la famosa industria del cine hindú para presentarnos un show con mucho baile, humor  y artistas desconocidos. La obra de José María Muscari ha encontrado una nueva fórmula del éxito brindando un espectáculo con una gran producción pero donde la gente es la que le pone el precio a lo que ha visto. 

Como espectador tenemos el placer de disfrutar del show desde el momento que ingresamos a la sala para ubicarnos en los asientos, un grupo de bailarines ya nos están esperando desde un principio para que el ingreso sea como una fiesta, siendo un gran acierto para que esa entrada que puede llegar a tardar unos diez quince minutos se disfrute . Una vez que todos estamos comodamente en nuestros asientos, José María Muscari será el encargado de presentarnos el show a traves de una pantalla en el escenario, así comenzamos a conocer la importancia del concepto de Bollywood en relación a este espectáculo,  que si bien tiene algunos elementos relacionados a la industria del cine hindú,  el término de Bollywood es más bien usado para presentarnos a un elenco sin estrellas pero que aun así su finalidad es transmitir alegría. Es así como un grupo de actores y bailarines nos relatan sus experiencias, contándonos lo que realmente quieren ser a pesar de no tener la suerte de la fama, pero que tienen talento para triunfar en el ambiente del off.

Son 50 artistas los que se presentan en la sala del Teatro IFT , todos ellos fueron seleccionados a través de un masivo casting con la intención de producir un show de grandes dimensiones con artistas desconocidos. Todos ellos realizan un excelente trabajo , donde cada uno tiene algo para aportar en la obra tanto los actores como los bailarines. El concepto de bollywood se utiliza también para denotar la miseria  que existe en la india en cuanto a la pobreza y los dilemas sociales, estos artistas llegan a identificarse con aquellas miserias en cuanto a su profesión pero aún así logran llenarse de alegría haciendo teatro, del mismo modos en que todos los hindúes son felices con el cine de bollywood.

toca destacar la puesta de Muscari es una producción en el que se ha invertido mucho en vestuarios y aspectos técnicos, pero que su retribución depende totalmente del aporte del público. Si bien su entrada es libre y gratuita, la salida no lo es, la gente es la que debe ponerle precio a lo que ha visto y que será el pago por el trabajo a una gran cantidad de artistas y al equipo que está detrás de escena. La obra realmente vale devolverles el aporte sobre el entretenido show que nos han brindado aunque siempre quedará a conciencia del público que dependerá si el show le ha gustado y el dinero que se encuentra a su alcance para aportar a la gorra.

Bollywood es el nuevo y gran espectáculo de José María Muscari, que nos trae el concepto y la alegría de la industria Bollywoodense al teatro en el barrio de Once. Lleno de música, baile y humor, esta propuesta es ideal para pasar una entretenida noche. El público tiene el poder y el deber de otorgarle el valor a un show,  que de seguro no defraudará a nadie.

ELENCO COMPLETO

Mariela Asensio - Emiliano Figueredo 

Johan Alexander Alvarado, Daiana Bellendier, Agustina Beluchi, Cami Berman, Joel Castañeda, Sasha Lis Cerrini, Walter Collia, Cecilia De Paoli, Desireé Du Val, Morena Esperón, Manuel Etchebarne, Nico Figueroa, Ayelén Ford, María Forte, Miranda Ghirimoldi, Lara González, Angy Jaume, Ronad Jenki, Esteban Lamarque, Fernando Liao, Facundo López, Ignacio Lopez Diez, Bianca Loponte, Mauro Martinak, Nacho Mena, Mateo Misael, Benjamín Morelli, Jonatan Nugnes, Ale Ordoñez, Santiago Paciullo, Amarú Patrono, Josefina Pittelli, Constanza Raffaeta, Andrés Reyes, Gisela Rietti, Andy Rinaldi, César Riveros, Pili Rubí, Julián Siliberto, Belu Spenser, Mariana Szuchmacher, Colo Vargas, Jesi Videla, Bianca Vilouta Rando.

FICHA TECNICA

Diseño de vestuario: Gustavo Alderete para La Polilla de Vestuario

Diseño de luces: Gisela Marchetti

Diseño de video: Cande Serra

Selección musical: Guillermo Salvador

Fotos: Fuentes2Fernández

Diseño gráfico: Lucila Gejtman

Prensa: Agencia AB - Alejandra Benevento

Operador de luces y sonido: Fernando Martín Sanz

Stage manager: Giuliana Betta

Asistente de coreografía: Victoria Broggi

Colaboradores: Joaquín Duhalde Longhi, Ariel Dabbah, Carina Torre, Taisa Isola, Micaela Ayala, Victoria Membrado Capó, Lourdes Boy Arditi, Carmen López Contreras y Lucía Adúriz

Realización de vestuario: Natalia González, Rodrigo Lico Lorente, Laura Martínez, Guillermo Corujo y Florencia Tonel

Asistentes de escenario: Sabrina Rado y Gimena González.

Asistente de dirección: Paola Luttini

Producción ejecutiva: Roni Isola y Enrique Jauregui

Coordinación de producción: Maxi Bartfeld

Coreografía: Magui Bravi

Dramaturgia y dirección: José María Muscari

Funciones

Viernes 22hs, Sábados 22 y 00hs, Domingos 20hs

(las entradas se retiran desde 2hs antes de cada función)

NUEVO ESPACIO IFT

Boulogne Sur Mer 549

Crítica: Happy Brownies

Eventos como las reuniones con viejos compañeros de la etapa escolar es algo que se ha estado haciendo mucho gracias al acercamiento que existe gracias a las redes sociales. Happy Brownies es una comedia que parodia a este evento con un reencuento trágico y muy cómico.

Una comedia negra y mordaz que muestra con ironía la crisis de los 30 y la frustración de no haber alcanzado lo que alguna vez se soñó.

La obra gira en torno a 7 compañeros del colegio que se reencuentran por facebook y deciden armar una juntada. Pero ellos no son los mismos, atravesados por la insatisfacción y el desconcierto, esa noche prefieren divertirse para poder pensar en otra cosa. Sin embargo, con cada recuerdo que aparece comienzan a reconocerse en el otro y el deseo no tarda en devorarlos, hasta dejar salir sus más crueles y sinceros pensamientos.

Con una trama de comedia que se entreteje con lo oscuro y patético, el reencuentro llega hasta lo profundo de cada uno para exponerlos sin reparos.

La obra comienza con el inicio de una reunión de ex compañeros de secundaria, su anfitriona ha hecho el trabajo de contactarlos vía Facebook e invitarlos a una fiesta para celebrar este reencuentro. Una vez que todos los invitados llegan, comienzan a recordar anécdotas de su época de juventud, en donde todos tratan de mostrarse superados denotando que han tenido éxito en su vida ante los demás.  A medida que la noche avanza, el alcohol y los brownies también, se van desnudando las apariencias que los personajes querían mostrar , haciendo se que presenten momentos muy incómodo y por ende cómicos hasta llegar a la tragedia. La obra es una cómica tragedia de lo que podía haber sido una noche agradable y no tan memorable, pero la suerte hizo que en la noche todo se vaya de control provocando un desequilibrio emocional en los asistentes. La trama de la obra transcurre ágilmente, reservando todo el descontrol y los momentos más cómicos hacia el final, permitiendo que el público se divierta durante toda la obra.

Son siete los actores en escena, cada uno cumple efectivamente con su rol y logra mostrar parte su personalidad y las problemáticas que viven e intentan disimular ante los demás. Cada personaje tiene una personalidad definida y cosas que ocultar, cuando se juntan todo se descontrola y es ese descontrol el provoca la risa de los espectadores que forman parte de la intimidad de aquella inolvidable velada. 

Happy Brownies es una muy divertida obra de teatro ideal para distenderse un sábado por la noche, tocando un tema de moda en la actualidad, que son las reuniones con viejos compañeros del pasado y en las que nos podemos identificar con la idea de mostrarnos de una forma para hacer creer que el tiempo ha jugado a nuestro favor. Lo que podía haber sido una velada tranquila se convirtió en una tragedia desopilante que provocará muchas risas en una ideal noche de teatro.

Actúan: Mariana Estensoro, Marcela Arza, Lucía Romina Escobar, Verónica Lorincz, Matías Castello, Martín González Robles, Rodrigo Guzmán Ayciriet                                       

Dramaturgia: Fabio Golpe, Marcela Arza & Casper Esposito                                                                                 

Diseño de luces: David Seiras

Diseño de Arte: Lucho Lomastro
Fotografía & Diseño gráfico: María Laura Carvalho                                          

Prensa: CR&V Prensa

Dirección general: Fabio Golpe

Twitter: @brownies_happy

Facebook: Happy Brownies Teatro

Instagram: happybrowniesteatro

HAPPY BROWNIES
Dirigida por Fabio Golpe
Sábados a las 21hs
Teatro El Método Kairós - El Salvador 4530 - Palermo, CABA

Estreno: 03/06/2017

Entrada general: $200.-

Reservas por Alternativa Teatral

Crítica: En el columpio

Uno de los aspectos mas bellos del teatro es que puede provocar en el espectador un sinfín de sensaciones dependiendo de lo que cada obra logra transmitir.  En el columpio es una de esas historias en la que se hace imposible no adentrarse en los sentimientos que atraviesan a los personajes, en un relato sobre los riesgos que existen para buscar la felicidad.

En un pueblo olvidado de la Argentina, la muerte comienza a acechar a los protagonistas, los obliga a replantearse la supervivencia en la decadencia del pueblo. “En el columpio” es una historia de amor y de nuevos despertares, de deseos anestesiados por continuar en la inercia de la rutina y la mirada del otro. La relación de dos hermanos, lo que no se dicen, sus deseos y sus miedos. Las preguntas de un tercero, hace mecha en los propios anhelos. Para un nuevo comienzo, es necesario soltar las viejas amarras. Cambiar el aparente destino escrito, requiere de coraje, decisión y de profunda convicción. Solo un amor verdadero libera.

La obra nos presenta a tres personajes, dos hermanos y alguien mas que es como de la familia, ellos viven en un pueblo donde hay mas muerte que vida. Como se menciona en varias ocasiones, es un lugar en donde solo los viejos se quedan hasta morir, y es por ese motivo que muchas personas optar por seguir su camino lejos de allí intentanto conseguir la felicidad en otro sitio. Ante esa problemática los personajes se ven obligados a enfrentar a los fantasmas de su pasado, pensar en el presente y decidir sobre lo que quieren hacer para su futuro.
La obra plantea la toma de decisiones como el eje principal de la historia, ya que el no hacer nada es hacer mucho, entonces uno debe elegir si quiere arriesgarse a cambiar o seguir estancado en el mismo camino.

Los actores en escensa saben perfectamente lo que quieren transmitir, la historia personal de cada uno de los personajes. Aunque estas tres personas sean muy unidas, cada uno piensa distinto sobre lo que siente y lo que quiere para el futuro y de ahi parte el conflicto de intereses, ya que uno quiere seguir su propio camino pero siente el dolor de abandonar a los demas. Las actuaciones son por demás sobresalientes, logran que los espectadores se identifiquen con sus problemas aunque no se viva en el mismo mundo, el sentimiento de soledad es algo que cualquiera puede sentir sin importar el lugar en el que se viva.

El trabajo de dirección es impecable , Micaela Fariña ha logrado que esta puesta sea bella e íntima.  Existen momentos en las que la acción trasluce al texto, al ver lo que un personaje hace en la intimidad mientras los demas interactuan, haciendo que capte la atención de lo que uno hace con el fondo de lo que se dice y que guarda una relación de lo que en esa persona está sucediendo. El uso del columpio, además de darle el nombre a la obra en cuestión, le otorga un significado de aquel lugar que les sirve para expresarse, ser libres y sentirse como en casa aunque en verdad no lo estén.

En el columpio es una obra de teatro muy conmovedora , que permite que el espectador se identifice con las problemáticas de los personajes, tratándose de una historia sobre la toma de decisiones.  La decisión de hacer o no hacer algo puede ser vital para el futuro de uno mismo, desde esta reflexión la puesta consigue transmitir el mensaje y hacer que el público disfrute de una impecable puesta en escena.

Ficha técnica
Actúan: Catalina Collardin, Viviana Ghizzoni y Gastón Filgueira Oria.
Escenografía: Lucila Rojo
Herrería: Elmo Gustavo Picasso
Vestuario: Wanda Siri
Diseño de luces: David Seiras
Diseño Gráfico: Bárbara Delfino
Asesoría musical: Charly Valerio
Fotografía: Antonela Peccorelli
Prensa y Difusión: Boca en Boca
Asistencia de Dirección: Pato Fabián
Dramaturgia y Dirección: Micaela Fariña

Jueves 21hs

El Estepario Teatro - Medrano 484

Reservas por www.alternativateatral.com 

                                                        José González 

Freak Show de Martin Giner Domingos 20:30hs en Sala Archibrazo

Compañia la cortunensis presenta "Freak Show" todos los domingos 20:30 hs en Sala Archibrazo (Mario Bravo 441)

Sinopsis: Una terrible maldición pesa por generaciones sobre todos los descendientes varones de la familia de los Cormaneja, al enamorarse estos creen tener superpoderes y mueren al intentar utilizar estos mismos.

El oscuro presentador de un Circo Freak ha encontrado al último descendiente varón de esta familia y ha decidido exponerlo y desatar la maldición para que el público disfrute del sufrimiento que le toca vivir.

Ficha Técnica:

Dirección: Rosario Maranesi y Nadia Oñatibia.
Actuación: Alexis Paredes, Alberto Daniel Rosatto y Zaira Sada.

Escenografía y audiovisual: Sebastián Mouriño.

Diseño Gráfico: Alexis Paredes.

Iluminación: Alejo De Falco.

Vestuario: Cristina Romero.

Reel: Nahuel Iriondo

Web: http://freakshow.myebou.com/?m=1
Facebook: /FreakShowObra/

Twitter: /FreakShowObra
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=Ti5ZDvG_6s4

Crítica: Te quiero hasta la luna

ITengo que decir que he llegado a enamorarme de la obra Te quiero hasta la luna, que trata de una historia de amor de años y una fantasía de unos jovenes que llegan a cumplir, que es la de poder viajar a la luna. Esta historia desarrollada como un cuento destella mucho humor y cariño, presentandose cada lunes en el teatro El método kairos con funciones a la gorra.

Julia y Pablo se conocieron a los siete años, fueron amigos, novios, y a los veintisiete años se separaron...,pero ya habían pagado su sueño: un viaje a la luna.

Te quiero hasta la luna es un cuento de amor. Relata el reencuentro de Julia y Pablo en la nave espacial antes del gran despegue. Algunos inconvenientes técnicos harán del viaje toda una aventura que pondrá a prueba el vínculo que los une.

¿Alguna vez soñaste con pisar la luna? ¿Qué te llevarías? ¿Con quién irías?

Una comedia romántica con canciones, tierna, pura, y llena de humor.
Un pasaje al lugar del universo al que quieras ir vos.

Recuerdo que hace dos años he estado mirando el sitio alternativa teatral en la sección de entradas gratis, allí he encontrado invitaciones para esta obra un día miércoles al que he decidido ir y disfrutar de la obra sin conocer mucho su contenido.  Había sido una función tranquila en la que lamentablemente no había muchos espectadores pero que no fue un impedimento para que la historia toque mi corazón, sientiendome identificada con esos dos adorables personajes. Ahora que he vuelto a sentir lo mismo,  sumado a la alegría de que la obra se encuentre repleta de público gracias a sus funciones a la gorra y los cambios estéticos que se han en función de mejorar la experiencia de la obra.

Pablo y Julia han sido una pareja de toda la vida , se conocen desde la adolescencia y desde allí han estado juntos hasta que decidieron distanciarse.
Uno de sus mas grandes sueños de niños era poder viajar a la luna, así que cuando esto se hizo posible han comprado los pasajes para hacer el viaje a este lugar tan soñado, el proble es que cuando debían viajar ellos ya no estaban en pareja. Para no perderse de la experiencia de ir a la luna deciden viajar de todos modos, entonces ahi comienza el verdadero viaje, que es el de los recuerdos donde se muestran los sentimientos que tienen el uno por el otro y que al parecer todavía estan presentes. El presente y el pasado se juntan, esta pareja utilizan momentos claves para volver a su niñez, a los momentos de su adolescencia donde empezaron a enamorarse y a revivir todo esto en el presente hasta llegar a la luna.

Los actores de esta obra son Francisco Ruiz Barlett y Sofia González Gil que realmente demuestran que están tan enamorados de esta obra como el uno por el otro fuera de la historia. Ya van 7 temporadas en cartel, siendo la obra que más representa al teatro El método kairos del cual Francisco forma parte junto a Matías puricelli quien es autor de la obra. Se nota que luego de estos dos años desde la última vez que he visto esta puesta hasta ahora se han hecho cambios con el fin de hacer más ágil la historia pero sin borrar su escencia. Para quienes la han visto es inevitable quedarse enganchado con la melodía de Antonia: el helecho, que pablo toca en repetidas veces. Los actores saben manejar perfectamente el humor,  mostrando histrionismo en los números flashbacks, permitiendo que el público se enamore de ellos antes de realizar su viaje.

Te quiero hasta la luna es una obra para divertirse y enamorarse de esta fantasía de realizar un viaje soñado fuera de la tierra.  Con grandes actuaciones y funciones que son a la gorra la hacen una propuesta imperdible para disfrutar un enternecedor lunes en el teatro.

Ficha técnica: 

Libro: Matías Puricelli
Música original: Francisco Ruiz Barlett
Letras de canciones:Francisco Ruiz Barlett
Actúan: Sofía González Gil, Francisco Ruiz Barlett
Voz en Off: Carlos Belloso
Diseño de vestuario: Sofía González Gil
Diseño de escenografía: Martin De Amézola
Diseño de luces: Martin De Amézola
Fotografía: Vicky Medici
Diseño gráfico: Martín Bayne
Asistencia de escenario: Ana Wright
Asistencia de dirección: Carolina Beron
Prensa: Mercedes Otero
Producción ejecutiva: Antonella Bisogno
Puesta en escena: Matías Puricelli
Dirección musical:Francisco Ruiz Barlett
Dirección: Matías Puricelli – Francisco Ruiz Barlett

                          

EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO
El Salvador 4530 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - ArgentinaTeléfonos: 4831-9663
Web: http://www.elmetodokairos.com.arLunes - 21:00 hs - Hasta el 30/07/2017 

                                                          

                                                 Jaz Lolla

Crítica: Umbrío

El teatro San Martín ha vuelto a abrir sus puertas al público, con ello han venido numerosas propuestas teatrales que vienen a componer la cartelera de este mítico espacio. Umbrío es una propuesta que cuenta con las participaciones de Alejandro Paker y Eleonora Wexler, en un drama donde se desnudan los secretos de una pareja al ser irrumpidos en su intimidad

La intimidad familiar se encuentra amenazada. Entraron al departamento y, aunque no robaron nada, se acostaron en la cama matrimonial, tocaron los juguetes de la hija... Alguien sigue espiando. Envía fotos de la casa vacía. Y se empieza a descubrir que el matrimonio perfecto esconde algo umbrío detrás de la fachada de éxito y felicidad.

La obra comienza con un inicio traumático,  cuando la pareja protagonista entra a su casa y ven que la puerta ha sido forzada y que hubo gente que ha entrado a su hogar pero que no se han robado nada. Lo que parecía ser un hecho aislado o un intento de robo que no se pudo terminar de efectuar, hace que esta pareja comience a tener sospechas sobre quien ha violado la intimidad de su hogar y que es lo que buscaban con ello. A raiz de ello se van destapando secretos que ambos personajes esconden y que muestran el desequilibrio que siempre existió en el matrimonio. La propuesta avanza de manera trepidante, logrando que el espectador se interese en los mistetios que todos los personajes guardan y saber hasta donde son capaz de llegar para manterer su integridad y orgullo intactos. 

En cuanto a las acotaciones, se deben reconocer la labor de Alejandro Paker Y Eleonora Wexler, que denotan sufrimiento en sus personajes pero que necesitan actuar con una máscara frente al otro, la química entre ellos es excelente más allá de la competitividad que existan en sus personajes. La puesta también cuenta con la participación de actores como Gaby Ferrero, William Prociuck y Pedro Merlo que son quienes irrumpen en lo cotidiano de la pareja, quienes guardan una relación con ellos y son el motivo de su desequilibrado matrimono. Existe un notorio trabajo actoral en su conjunto, que denota el peso del drama en la historia.

La escenografía y los aspectos técnicos se encuentran bien representados, mostrando de forma detallada y cuidadosa el reflejo de la vida lujosa de aquella pareja pero resaltando el vacío de alma que en ese lugar existe. El espectador es parte de la intimidad de los protagonistas y del espacio donde se presenta,  la cercanía del público permite que uno se adentre en la historia y pueda identificarse en los actos de los personajes.

Umbrío es una propuesta interesante que se presenta en el mítico teatro San Martín,  es una obra con un buen trabajo de direccion y actoral, que logra estar a la altura del reconocimiento del espacio donde se presenta. Una historia íntima en la que el espectador puede ser parte de ella, donde se revelan los mas oscuros secretos de un pareja supuestamente perfecta.

Ficha Técnica:

Elenco: Eleonora Wexler, Alejandro Paker, Gaby Ferrero, William Prociuk y Pedro Merlo.

Dirección: Luciano Suardi.

.
                                                         Jaz Lolla