Crítica: Hombres De Honor

Hombres de honor es la cuarta obra escrita por Armando Discépolo. Esta pieza, otra de las tantas en las que el autor abarca un oficio a partir del cual cuestiona posturas sociales asfixiantes, fue estrenada en el año 1923 y no volvió a representarse de nuevo, hasta ahora.

La obra, anterior al grotesco criollo, consta de dos partes muy claras: una primera en la que un hombre -de honor- está dispuesto a todo para mantener la respetable máscara que protege su status y el de su familia. Y una segunda en la que esa máscara cae provocando que queden expuestas miserias y su verdadera identidad, hasta entonces velada, produciendo un cambo en su relación (y la de sus hijos) con el mundo que lo rodea. Sobre esta segunda parte, Marcos Horrisberger nos contó: “Hombres de honor devela la historia que uno siempre quiere ver y nunca ve: el después… ¿Qué pasa después de que Nora abandona su hogar en Casa de Muñeca?

Con una escenografía simple y justa en la que nada falta y nada sobra en el escenario del mítico Teatro del Pueblo, un vestuario maravilloso realizado por Marta Albetinazzi, pocos objetos necesarios (unos libros, una valija, cartas de póker…) y una adaptación que casi no ha sufrido cambios, Hombres de honor recrea a la perfección una época, transportándonos al Buenos Aires de 1923.

La obra desarrolla innumerables temas, entre los que se encuentran la familia (“un padre no se pertenece, es de sus hijos y tiene que hacer todo por ellos”), la sociedad y sus imposiciones, las adicciones, las leyes y su aplicación, el azar, el amor y, por supuesto, El Honor: “Somos esclavos de nuestras propias convicciones por más viejas que sean”.

Los ocho actores, conducidos por Matías Leites, tienen muy claro lo que cuentan y transitan los textos con claridad y precisión. La puesta es precisa y la música acompaña los momentos de mayor tensión reforzándolos.

¿Por qué Hombres de honor en el año 2017?

Horrisberger: La vigencia… es una obra que cuestiona las leyes: ¿están bien?... es interesante ver cómo un hombre que tiene incidencia respecto al futuro de los demás debe juzgarse a sí mismo, es interesante cómo cambia la visión de las cosas cuando nos suceden a nosotros.

Hombres de honor es una obra contundente y conmovedora que logra conjugar la puesta y las actuaciones con los brillantes textos de Discépolo.

AGENDA
Estreno: viernes 14 de julio, 21:00 hs.
Función de prensa: martes 25 de julio, 19:30 hs. (19 hs. Brindis)
Funciones: viernes 21:00 hs.
Lugar: Teatro del Pueblo (Av. Pres. Roque Sáenz Peña 943, CABA)
Entradas: $200 / Desc. jubilados y estudiantes: $170
Reservas: 4326-3606 / Alternativa teatral
Duración: 70 min.
Facebook: Hombres de honor
Trailer: Hombres de honor

Ficha técnica
Autor: Armando Discépolo
Adaptación del texto: Matías Leites
Elenco por orden de aparición:
Mariano Ulanovsky - Varela
Greta Guthauser - Marta
Fabián Caero - Leandro
Marcos Horrisberger - Mario
Lorena Saizar - Sra. Herrera
Roberto Cappella - Diersi
Juan Pablo Kexel - Ardanaz
Martín Navarro - Macías
Escenografía y vestuario: Marta Albertinazzi
Música original y diseño sonoro: Santiago Barceló
Diseño de luces: Gastón Ares
Diseño gráfico: Roberto Cappella
Fotografía y video: Leopoldo Minotti
Prensa: Octavia Comunicación
Asistente de dirección: María Eugenia Gómez
Dirección: Matías Leites.   

                                                Grace Ulloa

Reseña: Y Un Dia Nico Se Fue

Y un día nico se fue es un musical que esta basado en la novela autobiográfica de Osvaldo Bazan, que cuenta la historia de un intenso amor entre dos hombres , y donde este tuvo que sufrir una pérdida de aquella persona de la cual se enamoró .  El director Ricky Pashkus vuelve a traer una de las obras más reconocidas de su carrera, teniendo un impecable trabajo de dirección y actoral que acompaña perfectamente a esta intensa historia de amor y desamor.

La comedia musical …Y un día Nico se fue cuenta la historia de un romance malogrado entre dos hombres, Osvaldo y Nico, recorriendo todas las etapas de cualquier historia de amor, desde el enamoramiento, pasando por la desilusión y la tristeza de una separación. Pero lejos de hacerlo con una mirada triste, está llena de canciones, coreografías, un ensamble que funciona como un reloj y la participación de una orquesta en vivo. Una comedia divertida con tintes dramáticos que nos invita a reflexionar y repensar la sociedad moderna para entender el amor en todas sus formas. La obra está basada en una novela autobiográfica de Osvaldo Bazán y cuenta con música de Ale Sergi y la dirección general de Ricky Pashkus.

La historia comienza justo en su final, desde un principio sabemos que Nico se ha marchado, sentimos la pena del personaje de Osvaldo que no comprende porque ha sudedido ello , mientras su amado se encuentra disperso por el escenario observando todo lo que pasa. Luego de la secuencia inicial, viajamos al pasado, al momento en que esta pareja se ha conocido y enamorado, cada uno atravesando dificultades en su vida personal. Nico es un chico que un día no teme admitirle a sus padres que es homosexual y que actualmente está saliendo con alguien, cuestión que trae consecuencias por ser algo no aceptado por su familia, al punto de dejarlo abandonado debido a sus decisiones. Ante estos hechos él se refugia en Osvaldo, alguien mayor en edad y que ha tenido más experiencia en relación a hombres pero que aún así no ha llegado a sentir algo verdaderamente especial por alguien. Su relación con Nico comienza con dudas , cuando este chico abandona su casa y busca refugio en el , provoca que salgan a flote sus miedos al iniciar una relación seria. En un momento nico se va, la obra hace referencia a que ese es su título y es lo que debía pasar , por más que se quiera intentar terminar la puesta con la fantasía de que este chico regresa y su final es feliz.  Si bien su desenlace es el inminente abandono,  su mensaje final es el aprendizaje, a entender que después de una crisis son posibles muchas oportunidades en el futuro, siendo este relato un descargo sobre lo que el autor ha aprendido a través de esta experiencia. 

Germán Tripel es Osvaldo, si bien muchos no sabemos como ha sido el personaje en la realidad pero el público se consume en la persona que encontramos en el escenario.  Nos encontramos ante una gran interpretación del artista ya reconocido en el ambiente del musical, si bien no es el primer actor en participar de esta obra,  pero llega a dar la impresión de que el personaje está escrito para el ,solo habría que consultar con el mismísimo autor la opinión sobre la relación entre el hombre de la ficción y el de la realidad. Franco Mansini es Nico, quien denota carisma en la personificación del chico que luego de enamorarse y enfrentar varios obstáculos,  toma la decisión de irse,provocando la pena de Osvaldo y dándole el sentido a esta obra.  Su presencia es importante hasta en los momentos que no se encuentra dentro del relato, que resulta ser en gran parte de la obra, el está porque a pesar de haberse marchado todavia sigue estando en la mente del protagonista, quien no lo dejará ir a menos que logre superarlo. Manzini aporta una imagen de Nico distinta a la que hemos visto en otras versiones, quizá algo más inocente pero que se entiende la fortaleza en la toma de decisiones importantes, cosa que es algo muy difícil de afrontar para un muchacho que técnicamente sigue en la adolescencia. El trabajo del resto de elenco es totalmente notable y equilibrado, existen personajes que logran destacarse como los amigos de osvaldo y el angel, que es una especie de cupido que interactua con el personaje principal brindando humor y algunas enseñanzas de vida en relación al amor. 

El espacio de El Galpón De Guevara se encuenta perfectamente utilizado en una especie de cuadrilátero, donde en el centro transcurre el relato y en los alrededores, los demás actúan como observadores siendo participes de la historia, incluyendo al mismo público. 

La música de la obra tiene como autoría a Ale Sergi, el reconocido cantautor de Miranda aporta su estilo musical en la obra, que en letra y melodía acompaña perfectamente los estados por lo que pasa la puesta en escena. Cabe destacar que la producción  cuenta con un disco con las canciones de la obra , cosa que todo musical debe contar en lo posible, quedará a consideración del público que seguro estará enganchado tanto al espectáculo como a su música. 

Y un día nico se fue es una perfecta obra que cuenta una historia de amor a pesar del abandono, tomando el aprendizaje de la experiencia como tema principal de la obra.  Se trata de un musical con todas las letras, donde se resaltan el trabajo de los actores y la labor de su director Ricky Pashkus, que nos pone en escena una obra muy entretenida y conmovedora.

FICHA TÉCNICA

Libro: Osvaldo Bazán

Música Original: Ale Sergi

Dirección Vocal: Matías Ibarra

Dirección Musical: Bruno Delucchi

Diseño de Sonido: Mariano del Rosso

Maquillaje: Pao Dessaner

Escenografía: Huberto Stempels

Asist. Vestuario: Luciano Huentecura

Dirección de Arte: Pablo Battaglia

Fotografía: Alejandra López

Asist. Luces: Sebastián Viola

Diseño de Luces: Anteo del Mastro

Diseño Gráfico y Redes Sociales: Matías Gordon

Registro Audiovisual: Nadia Fijer

Asist. Coreografía: Fede Fedele

Asist. Producción: Nicolás Sorrivas

Stage Manager: Alan Gejtman – Leandro Rivera

Producción Ejecutiva: Estanislao Otero Valdez

Coreografía: Juan José Marco

Dirección General: Ricky Pashkus

Prensa y comunicación: Tommy Pashkus Agencia

Actúan:

Franco Masini (Nico)

Germán Tripel (Osvaldo)

Juanjo Marco

Silvana Tomé

Josefina Barone

Sacha Bercovich

Melisa Sol Campagna

Fede Fedele

Juan Fonsalido

Lucas Gentili

Eugenia Gil Rodríguez

Alejandro Justiniano

Mica Romano

Lula Rosenthal

Pedro Vega

Lali Vidal

El Galpón de Guevara(Guevara 326, C.A B.A)Viernes y sábados 20:30hs  Entradas a la venta por Alternativa TeatralValor de localidades: desde $300.-

Lino Patalano y Roberto Peloni juntos en "Peloni Intensivo"

LINO PATALANO FESTEJA LOS 50 AÑOS DEL CAFE CONCERT JUNTO A ROBERTO PELONI CON "PELONINTENSIVO" EN EL TEATRO MAIPO KABARET

Lino Patalano a 50 años del comienzo del genero del "café concert" en la Argentina decidió homenajearlo produciendo y estrenando el próximo viernes 11 de agosto a las 23 horas en el ámbito del "Maipo Kabaret" el unipersonal "Peloni Intensivo" con Roberto Peloni, ganador del premio "Hugo de Oro 2015" y protagonista de los últimos grandes sucesos del musical, como absoluto protagonista.

Cuenta la leyenda que allá por mediados de 1966 en una suerte de "casa-conventillo" a metros de la Avenida del Libertador nacía un espectáculo que marcaría un antes y un después en la historia de un genero teatral llamado "café concert".

Por esos días nacía "Help Valentino" protagonizado por Antonio Gasalla, Carlos Perciavalle, Edda Diaz y Nora Blai; y dio comienzo a una leyenda que a mediados de 1967 se inmortalizó llegando a ser portada de los diarios y revistas de la época por el fenómeno social, ya que intelectuales, aristócratas y hasta políticos se peleaban por conseguir entradas para ver en esa suerte de conventillo a cuatro artistas en un espectáculo que diera vida a un mito teatral y que llego a realizar tres funciones diarias por la gran demanda de entradas.

El nuevo espectáculo de Roberto Peloni que será "políticamente incorrecto" y que generará polémicas por los cinco personajes que habrá sobre el escenario y su ácido humor une por primera vez a Lino Patalano y Roberto Peloni como dupla de empresario-productor y artista todos los días viernes y sábados a las 23 horas en el Maipo Kabaret desde el próximo viernes 11 de agosto.

El café concert revoluciono el humor y la música en la Argentina. En un ámbito reducido donde no cabían mas de 100 personas con mesas y sillas y un pequeño e improvisado escenario  se asistía según contó un biógrafo de la época a una suerte de ritual.

Alrededor de una mesa y cuatro sillas,  una copa de champagne, de whisky o un trago largo, gente que no se conocía entre si, se sentaba en esa suerte de café bar sin demasiadas pretensiones para ver y disfrutar de a grandes artistas decir y cantar lo que nadie se atrevía a hablar en su momento.

Lino Patalano lanzó a grandes figuras en el género en la Argentina y produjo los primeros unipersonales del café concert de hoy, mitos vivientes que inmortalizaron ese género como Antonio Gasalla, Carlos Perciavalle, Edda Diaz, Enrique Pinti asi como Les luthiers, Nacha Guevara, Atahualpa Yupanky, Astor Piazzolla y Amelita Baltar entre muchos otros.

Algunos artistas fueron censurados, prohibidos y hasta perseguidos, y tuvieron que huir al exterior como el caso de Marilina Ross.

El café concert fue un antes y un después en el espectáculo argentino. Y Lino Patalano, hoy a 50 años de aquel ayer, tiene como fin con "Peloni intensivo" rendirle un tributo al género y lanzar como absoluto protagonista a Roberto Peloni, como en su momento lo hiciera Cipe Lincovsky en "Viene a decir algo", en estos tiempos de la Argentina y de un mundo en crisis muy revolucionado. 

Reseña : Quiroga y la selva iluminada

Ya anteriormente he vivido la experiencia que ofrece el denominado Teatro Ciego, una experiencia en la que predominan el uso de los sentidos para poder disfrutar de una propuesta teatral. En el caso de Quiroga y la selva iluminada, estamos ante un espectáculo dirigido a la familia, invluyendo al público infantil e invitándolos a que formen parte de esta experiencia. Es sabido que se trata de una tarea difícil entretener a los niños si el espectáculo se desarrolla en la oscuridad, pero se ha notado el gran trsbajo del equipo de la producción en hacer de esta una propuesta interesante y muy divertida para todos. 

Delfina está aburrida. Y cuando los niños se aburren los mayores buscan todas las maneras de entretenerlos. Los `Cuentos de la selva` de Quiroga son la excusa perfecta para introducir a nuestra pequeña protagonista en el mundo mágico de la lectura, transportándonos del interior del hogar a la cálida siesta misionera, a las húmedas costas de río, al encuentro con los animales convertidos en títeres lumínicos. ...

...Actores y espectadores comparten el mismo espacio, convirtiéndose el público en parte de la historia, todo ello en la más absoluta oscuridad.

Antes de entrar a la sala se le explica a la gente que está por entrar a ver la obra,  de que se trata esta y que indicaciones hay que seguir para ingresar y para disfrutar del espectáculo.  De esta manera el público espera en fila, donde se ingresa de a grupos tomados del hombro para poder ubicarse en los asientos, con la sala de teatro ya encontrándose totalmente a oscuras. Una vez que todos se encuentran en sus lugares y con la inquietud sobre lo que va a suceder, la obra comienza. Arrancamos con la historia de una niña que se encuentea en su casa en una tarde lluviosa,  ella estando muy aburrida junto a su madre y su abuelo, le ofrecen contarles las historias de la selva de Horacio Quiroga. Si bien esta nena se muestra reacia en un principio sobre lo que le van a relatar , accede a que su abuelo le hable sobre los cuentos del libro, y ahi es cuando el publico se adentra en las dos historias que la obra presenta. En la puesta contamos con dos cuentos de aquel libro, una es la de un loro parlanchin que termina enfrentándose a un Yaguareté que lo ataca luego de contarles algunos chistes y que este busca vengarse del felino; Y la otra, es la historia de una familia de yacarés que entran en guerra con el hombre para poder preservar su espacio, donde viven y se alimentan. 

Cabe destacar la forma en que se ha trabajado para traer a los cuentos de Quiroga en una sala teatral. El teatro ciego promueve vivir una experiemcia a través de los sentidos, aplicando el lema de Lo que ves cuando uno no ve, es asi como exploramos el ambiente de la selva a través de la percepción del sonido, los olores y el tacto (ej, sintiendo la brisa y la lluvia). En cuanto a la presencia de niños en la sala, se ha optado por no desarrollar la obra a oscuras en su totalidad , hay algunos momentos en que observamos visibles a los personajes que intervienen en los cuentos (como el loro y los yacaré) siendo eso apenas perceptibles para que no se pierda el concepto del teatro en la oscuridad. El espectáculo es dinámico con el público,  que en la función presenciada se nota que todos han respondido muy bien, interesándose grandes y chicos por esta entretenida y novedosa propuesta.

Quiroga y la selva iluminada se presentó durante el evento "Konex para chicos" llevado a cabo durante las vacaciones de inviernos. A través de este divertido y sensorial espectáculo,  se recomienda e invita a las familias a que se interesen en experimentar este tipo de propuestas que llevan a cabo la compañía de teatro ciego argentino. 

Quiroga y la selva iluminada

Guión: Laura Cuffini.

Actores: Cruz Aquino, Mirna Gamarra, Ayelén Giammarco, Marcelo Giammarco, Jesús Igriega, Eduardo Maceda, Francisco Menchaca, Verónica Trinidad.

Música original: Pablo Sirianni. Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131.

Reseña: La Madre Que Los Parió

Sábado a la medianoche, es la hora ideal para la previa antes de salir en una ciudad tan nocturna como Buenos Aires. El teatro es una gran opción tanto para iniciar la noche o culminar un largo día,  lo imprescindible es divertirse. La madre que los parió es una comedia que toma la amistad como punto de partida para mostrarnos un conflicto donde se han roto los códigos. Estos amigos recomponen de manera desopilante los hechos tratando de encontrar al culpable, y sobre todo hacer reir al público

Luego del fenómeno de “Chicos Católicos” llega “La Madre que los Parió”, una comedia irreverente, picante, delirante y muy divertida que integra reflexiones acerca de la amistad, la lealtad, sus reglas y sus códigos. El espectáculo transita su segunda temporada, es una experiencia altamente cómica en la que se destaca la versatilidad con la que los protagonistas cambian de personaje en tan sólo segundos, para ponerse en la piel de los integrantes de la misteriosa fiesta que tuvo lugar la noche anterior.
Seis amigos, un traidor… ¿Hasta dónde somos capaces de perdonar a un amigo?.

Miguel, Ricky, Brian, Bruce y David son convocados por Dennis a su departamento. Desconocen la razón de la cita. Son las once de la mañana de un Domingo y la noche anterior, en ese mismo lugar, hubo una fiesta de las que suele ofrecer el anfitrión habitualmente. Pero en esa fiesta algo sucedió, algo que puede poner en peligro la amistad de este grupo de amigos, el Grupo de los Seis. El relato avanza entre un anfitrión en busca del culpable y una serie de flashbacks que recomponen escenas de la noche anterior. Y en su transcurso, irán emergiendo voces, disputas, sospechas cruzadas y un estricto sistema de códigos que regula la amistad de este grupo. El misterio se irá develando, como un rompecabezas. ¿Alguien rompió en esa fiesta el peor de los códigos? ¿Son inocentes hasta que se demuestre lo contrario ó son culpables, hasta que se demuestre su inocencia?

Un grupo de amigos que se conocen desde la infancia, están pasando por un momento de tensión al enterarse que una copa (El cáliz que ha sido símbolo de su amistad ) se ha roto, y uno de los integrantes del grupo es el culpable. Dennis, una persona excesivamente dramática, es quien se horroriza por los hechos que han sucedido y obliga a sus amigos a recrear la fiesta que ha tenido lugar la noche anterior , y así poder encontrar al traidor que rompió aquel preciado cáliz.  A través de flashbacks, los muchachos recrean esa dichosa fiesta personificando a todos aquellos que estuvieron presentes, tantos personajes femeninos como masculinos. En esa noche el descontrol se ha desatado, y es eso , lo que más disfrutamos de la obra ya que nos muestran con mucho humor una alocada fiesta que ha terminado en "tragedia".

En cuanto a las actuaciones, a muchos de ellos se los ha visto antes en la obra Chicos católicos, apostólicos y romanos, como en el caso de Agustín Sierra, Juan Paya y Juan Guilera; que han aprovechado de su anterior comedia para realizar una obra en la que han llegado a superarse a sí mismos , brindando su característico humor.  Los nuevos integrantes del equipo son Andrés Rovetto, Federico Barón y Lucas Merayo, siendo grandes aciertos en los que cada uno de ellos aporta lo necesario para hacer de esta obra desopilante y muy entretenida. Todas estas personas forman parte de un grupo heterogéneo de amigos, en los que cada uno tienen sus personalidades definidas y totalmente diferente a los demás, notando las diferencias en cuanto a las clases sociales y tipo de orientación sexual. Aún así la manada se complementa perfectamente, donde las cosas que los distinguen sirve para burlarse y reírse de ellos mismos, algo que típicamente sucede en cualquier grupo de amigos.

Además del innegable humor que esta puesta posee, unos de los aspectos más destacables en la obra, es la estructura que se ha creado para contar esta historia de principio a fin. Existen momentos en que se rompe la cuarta pared y la linea del argumento al servicio de la historia, para relatar aquella fiesta donde la locura se ha desatado y conectarlo perfectamente con el presente, teniendo como objetivo principal encontrar al traidor. 

La madre que los parió es una ingeniosa y muy divertida obra que celebra la amistad a partir de un conflicto típico de esta relación.  Con grandes actuaciones y una estructura a modo de flashbacks, esta obra tiene aseguradas muchas risas por parte del público, siendo participe de las locuras de estos agradables amigos. Es una obra ideal para distenderse un fin de semama tanto para una previa antes de salir como para culminar un largo día con riendo.

ELENCO

Federico Barón

Juan Guilera

Lucas Merayo

Juan Paya

Agustín Sierra

Andres Rovetto

FICHA TÉCNICA

AUTOR: Juan Paya

DISEÑO DE LUCES: Lucas Balestrino

ARREGLOS MUSICALES: Nicolás Sanmartí

DISEÑO GRÁFICO Y COMUNICACIÓN VISUAL: Juan Paya

ESCENOGRAFIA: Augusto Latorraca

FOTOGRAFIAS: Nacho Lunadei

STAGE MANAGER: Julieta Rossi

STAGE MANAGER/ACTOR ASISTENTE: Diego Sanchez

PRODUCCIÓN COMERCIAL: Patricia Jiménez para ESCENA

CATORCE

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Karen Barg

COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN: Agustina Granja

ASISTENTES DE DIRECCIÓN: Florencia Morelli

DIRECCIÓN: Héctor Díaz

Funciones : Viernes 23hs y     

Sábados 0: 30hs

Teatro Metropolitan Sura ( Av Corrientes 1353)

Entradas por Plateanet

Crítica: No te mates en mi casa

El desafío es muy grande y logran ampliamente superarlo, estos cuatro jóvenes actores y actrices con un director quien busca emocionar al espectador usando el recurso de la melancolía.

A lo largo de la pieza se logra mantener una  tensión todo el tiempo mechado con diálogos relajados, mientras afuera se espera que deje de llover, en una noche de tormenta en una cabaña en el medio del campo. El grupo se compone de Sofía, Nicolás, Paula, Santiago y Mateo  que se conocen de niños oriundos de un mismo pueblo se están encaminando en sus vidas, un año después de terminar sus estudios secundarios.

Se vuelven a reencontrar. Donde superficialmente reina una atmósfera de camaradería, en un ambiente distendido, con un humor medido. Donde a medida que nos vamos adentrando en la obra, cada personaje  va a tener la oportunidad de vaciar su pesada mochila personal.

En la obra desfilan muchos planteos como  la homosexualidad,  la hipocresía, la idealización de la infancia, la relación entre los padres e hijos.

A esa cuota de  problemática personal se va mezclando con una historia que han vivido en común, en el pasado, que les ha dejado huellas imborrables. Una historia que los une a esos cuatro amigos donde la verdad los separa y al mismo tiempo luego que han podido sincerarse con el resto del grupo los ha fortalecido y les permite a cada uno de ellos seguir con sus vidas desde otra mirada.

El dramaturgo y director es Nicolás Sorriva, el cual tiene un futuro muy promisorio porque ha demostrado su capacidad para lograr transmitir la emoción.

Las jóvenes Sayi Lavagna y Cali Rotonda, son sus primeros protagónicos, las dos están excelentes. Hacen personajes que se contraponen y logran demostrar esa diferencia. Mientras que Sebastián Tornamira y Matías Milanese  tiene algo más de experiencia, pero tienen el peso de ser el  eje que sustenta la historia y logran su cometido permitiendo dar sustentabilidad a la obra.

Si se supone que es una obra para solo jóvenes menores de treinta años, a mi criterio entiendo que no, porque cada generación cae en objetos diferentes pero la melancolía, la nostalgia, la camaradería con amigos y amigas de la infancia, es algo que se va a seguir sucediendo mientras el mundo sea mundo.

Para aquellos conocedores del teatro nos queda la duda si se utilizó o no la memoria emotiva, como técnica.  Pero esos parlamentos donde cada personaje no llora pero la nostalgia nubla los ojos para traer el recuerdo y a eso se contrapone miradas tan frescas  y de alto profesionalismo que hacen que nos regodeemos en una butaca esperando  a que esa lluvia no cese mientras haya una historia para desenmarañar en No te mates en mi casa.

Ficha artístico técnica:

Elenco: Sayi Lavagna, Matías Milanese, Cali Rotondo y Sebastián Tornamira

Realización de Escenografía: Adessx+PAI+Chocobar / Dirección de Arte: Ana Carolina Revello

Diseño de Luces: Damián Monzón / Diseño de Logo y Registro Fotográfico: Federico Lehmann / Fotografía y Reg. Audiovisual: Matías Sánchez de Bustamante

Diseño de Afiches: Estudiantes de Diseño Gráfico de Nivel 2 de la cátedra Wolkowicz de la FADU – UBA / Diseño Gráfico: Cynthia Dalla Torre + Iván Repicio / Prensa: Simkin & Franco / Producción: Compañía Segundo H / Asist. Dirección: Eliana Fuino / Dramaturgia y Dirección: Nicolás Sorrivas

Funciones: domingos a las 20.30 hs

Función especial en el marco del Festival Buenos Aires Diversa: jueves 17 de agosto a las 21hs

Dónde: Teatro Porteño

Dirección: Av. Corrientes 1630

Entradas: $250 y $300

En venta en la sala, Tuentrada.com y en Alternativateatral.com

Informes: 4372-5474

FB + IG: @notematesenmicasa

Diana Decunto

Crítica: Pescando En La Bañera

El director Leonel Dorada, nos entrega una pieza referida al costado humano, a las sensaciones y  vínculos que conlleva el comportamiento entre nosotros; y hasta donde puede llegar nuestra mente. Esto se ve plasmado en crisis humanas que se pueden dar a raíz de la rutina matrimonial, o la traición entre hermanas, o también referida a la duda que produce todo lo nuevo que se presenta en nuestro camino.

La obra comienza con los protagonistas preguntándose qué hacen pescando en la bañera. La mayoría no tiene conocimiento del otro, pero tienen algo en común: sus vidas experimentan un punto de inflexión.

La escenografía, a cargo de Gonzalo Córdoba, cumple su objetivo de no tomar el protagonismo por sobre la trama y los actores. A pesar de lo estática que parece a simple vista, resulta eficiente para centrar la atención en el lucimiento escénico de los protagonistas, sin perder el dinamismo que la obra manifiesta. Un baño a la vista y un living de fondo, sumado a una tarima que cumple varios roles.

El rol de las luces es justo y necesario  para el desarrollo de la obra, y entrada y salida de los personajes, aprovechando la escenografía estática.

El vestuario realizado por Jessica Menendez; utilizado en la mayoría de la pieza es festivo, con colores claros como el celeste y crema, que se complementan bien con una estética en donde reina una escala de grises.

A la hora de hablar de las interpretaciones, hay que destacar a Gabriela del Mar, quien no sorprende, ya que desde el primer momento de la obra toma la iniciativa, demostrando su calidad actoral ante los presentes. Ella se desempeña como una esposa con dudas existenciales que acompaña, cuida y lleva adelante un matrimonio en crisis junto a Julián Calviño, quien refleja la debilidad y vulnerabilidad por la que “el hombre” atraviesa en momentos de enfermedad.

Sin embargo quisiera destacar especialmente (y con el permiso de los demás protagonistas) a Antonella Del Valle Piersanti, con un papel que resalta en la obra. Tiene el don de transmitir a través de sus expresiones faciales, sin que haga falta movimiento alguno. Su mirada cohibida, asustada, casi sin comprender las consecuencias de una relación enfermiza y violenta con Mariano Caceres quien se desdobla actoralmente entregándonos por un lado, un femicida vehemente que genera terror, mientras que hacia el final, las fichas de la relación rotan 180 grados y el actor adopta la actitud de “mujer golpeada”.

Varias cosas me llamaron la atención y una fue el desarrollo de los cuadros entre Gloria y Esteban, ya que para representar el climax de la historia lo hace a través de la danza, aprovechando la formación de Piersanti y la gran adaptación de Caceres. Punto para el director.

La fluidez de la obra se da a través de actuaciones  sólidas y creíbles, como el triángulo amoroso multisexual entre Claudia, Martín e Ignacio, donde se puede percibir la indecisión de Martín debido a los patrones de relación que establece la sociedad como “normales”.

Una buena elección de actores y actrices, quienes con personajes como Rosella Bosco y Stella Minardi, dos actrices con experiencia en la vida, que acercan al público ya sea por la identificación con algún ser o por sus ocurrentes salidas que dejan escuchar carcajadas por parte del espectador.

Un final con ciertos tintes tarantinescos, terminando donde se comienza, con las mismas dudas, angustias, deseos y responsabilidades que al principio. Un viaje introspectivo a las sensaciones propias que invita a reflexionar acerca de determinadas situaciones que uno afronta en la cotidianeidad.

Ficha técnica

Autoría: Leonel Dolara.

Actúan (por orden alfabético): Bruno Alarcón (Martín), Rosella Bosco (Blanca), Mariano Cáceres (Diego), Julián Calviño (Esteban), Gabriela del Mar (Natalia), Jimena La Torre (Claudia), Stella Minardi (Amalia), Antonella Piersanti (Mónica), Victoria Rodríguez Montes (Alejandra), Diego Viquez (Ignacio).

Diseño de escenografía e iluminación: Gonzalo Córdova

Vestuario: Jess Menéndez

Coreografía: Stefanía Melero

Música original: Leonel Dolara

Efectos especiales: Mago Fakiri

Diseño gráfico: Hernán Álvarez

Fotografía: Germán Alt

Prensa: Laura Brangeri

Asistente de dirección: Analía Paz

Operación de luces: Lucas Orchessi

Operación de sonido: Analía Paz

Realización escenográfica: Los Escudero

Producción ejecutiva: Gabriel Cabrera

Producción: Adrian Caramielo y Leonel Dolara

Puesta en escena y dirección: Leonel Dolara

ElKafka Espacio Teatral.

Lambaré 866, CABA. 4862-5439.

Viernes a las 20 hs.

Entradas $230. Jubilados y estudiantes $150.

https://www.facebook.com/pescandoenlabanera/ – http://pescandoenlabanera.webs.com/

                      

                                Nicolás Rodriguez Camino