Teatro: 23.344, de Lautaro Vilo

En un principio, parecemos estar en presencia de unos personajes salidos de ,
un film de Tarantino. Groseros, soeces, atractivos, un tanto violentos, cínicos, de
una gracia corrosiva. Pero no: son bien nuestros.

Estos muchachos, capaces de pequeños y grandes “negociados” (ojo que
hablamos de negociados, no de negocios). Siempre están donde se debe estar
para estos asuntos: cerca de los que deciden, los que cortan el bacalao. Para
hacerles la vida fácil a unos pocos y de miseria a muchos.

Hablan de tabaco, de cigarrillos, de fumar, de fuego, de cenizas, de humo sobre
todas las cosas, de tamaño. La conversación los remita al pasado, a lo iniciático
de cada uno de ellos, al machismo mal entendido por mal aprendido, al
aprendizaje de la humillación, como doctrina y culto. Porque me la banco soy
macho. Y como tal, piso, escupo, denigro: la ley del gallinero. Más grandes ya,
subliman: hacen “negociados”. El mundo es aquello que está allí para tomarlo por
asalto, del cuello, usarlo, apropiarse de él. Violarlo.

El espacio: un micrófono, una tarima con una notebook, banquetas, etc.
todo se convierte en manos de los 3 actores en dispositivos precisos, cuasi
minimalistas, potentes materiales del discurso escénico. La luz, casi siempre fría,
y la música, estridente, algunas veces chirriante, otras sensualmente filosa, dan
cuenta de este mundillo hostil.
La actuación es visceral y empuja el relato a fuerza de acción, y de un texto
plagado de un imaginario de cinismo y degradación, que resuena acorde con
muchas situaciones conocidas por estas tierras.

La dirección de Guillermo Ghio es precisa y propone una lúdica ominosidad.
El espectáculo nos invita a asistir como espectadores, del juego abusivo y
enloquecido de unos niños crueles, que una vez crecidos juegan al juego que
mejor saben y más les gusta: tomar las medidas de las cosas y las personas,
para luego usarlas y tirarlas.¿Cómo es que se llaman esa especie de pilotos que se usan y se tiran? Buen espectáculo en un teatro cálido y acogedor.

FICHA TECNICA:

Autor: Lautaro Vilo

Director: Guillermo Ghio

Actores: Pablo Turchi, Norberto Portal , Patricio Schwartz

Vestuario: Pheonía Veloz

Iluminación: Omar Posemato

Música: Javier Estrín

Espacio escénico: Guillermo Ghio

Asistente: Ezequiel Segovia.

Fotos: Russarabian

Diseño Gráfico: Matías Vega

Prensa: Marcos Mutuverría - DucheZarate

FUNCIONES:

Viernes a las 21hs y Sábados a las 21

En Teatro Dandelión, Córdoba 2429 Piso 1, Derecha

Localidades : $220.-

Reservas: Alternativa Teatral


                                           A.R Belano

Teatro: Noche Corta, de Ricky Pashkus

¿A quién no le rompieron, alguna vez, el corazón? El director Ricky Pashkus ensaya una fórmula posible para acortar las noches de insomnio.

Una araña cuelga de un hilo invisible. De izquierda a derecha: un sillón, una bañera, un piano, una flauta y un saxo, una silla, un banquito y una cama redonda. Una tela roja, que hace las veces de un telón de fondo, decora una pequeña parte de la pared en la sala del Galpón de Guevara. Los ornamentos oníricos nos anticipan que estamos en el terreno de la noche, de las pulsiones y las emociones.

Prontamente, el protagonista (Alejandro Parker) establece un contrato con los espectadores: al final de la función, él logrará vencer al insomnio y nosotros podremos superar un desamor, nuestro orgullo herido; una propuesta un poco pedante para tratarse de una obra de teatro, cursi incluso para el género musical, pero no por eso menos noble que las de otras puestas en escena. Sin embargo, la pedagogía amorosa que atraviesa toda la función es funcional únicamente si recientemente uno perdió a un ser amado o si aún se tiene en carne viva la herida que provoca un desamor. Y, ya todos sabemos, que perdonamos y olvidamos, pero las heridas narcisistas son cicatrices para toda la vida.

El espectador constantemente es apelado a reproducir en su vida un evento similar. Son evocadas las noches que pasamos en vela porque nuestro afecto no es correspondido y se hace referencia a los ciclos por los que se atraviesa en algunas experiencias de abandono: el protagonista expresa que nadie lo quiere por ser como es, que el amor es efímero e indecible, que sus padres no le enseñaron a amar, que la única manera de retener a su ser querido (Facundo Mazzei) es en el mundo de Orfeo. Sí, son lugares comunes del romanticismo clásico. Sí, la propuesta es kitsch y sobradora. A pesar de eso, hay elementos que sorprenden al espectador más reacio a esta propuesta estética, como la hipnótica voz de una de las “bailarinas de burlesque” (Luna Pérez Lening) o el uso atípico de la escenografía, como la resignificación de la bañadera como un espacio de escondite por el que un hombre puede desaparecer parcial o totalmente.

En la obra no faltan las referencias a la cultura mediática popular argentina; me refiero a la que se faranduliza gracias a la agonizante televisión abierta, ya que muchos de sus intérpretes pertenecen a ese universo artificioso que nos es tan ajeno y familiar al mismo tiempo.

El lunes 31 de julio es la última función de la cuarta temporada de este musical y su permanencia en cartelera desde el 2015 en distintos teatros a sala llena nos hace inferir que, a pesar de todo, la propuesta es muy bien recibida por el público porteño.

Lara Salinas

Ficha técnico artística

Intérpretes: Cecilia Figaredo, Facundo Mazzei, Alejandro Paker, Luna Perez Lening y Lili Popovich.

Música en vivo: Bruno Delucchi y Juan Sak.

Vestuario: Pablo Battaglia.

Luces: Eli Sirlin.

Diseño de maquillaje y peinado: Pao Dessaner.

Stage Manager: Pablo Gauna.

Producción: Ezequiel Paredes.

Dirección y coreografía: Ricky Pashkus.

Coreógrafa invitada: Verónica Péccolo.

Galpón de Guevara (Guevara 326)

Última función: lunes 31 de julio, 20.30 h.

Entradas: $300

Reseña: Chicos feos, volumen 1 (Íntimo)

 Esta semana hemos tenido el placer de ver el nuevo trabajo del actor y director Gabriel Gávila, quien ha sido responsable de producciones como Chicos Lindos y Chicos malos, obras performáticas que forman parte de una trilogía que culmina con Chicos Feos. Hemos podido disfrutar del primer volumen de lo que es esta obra íntima y personal, donde el mismo director se coloca frente al público para contarnos su historia en una autobiografía en el cual llega a transmitir al público sus miedos, deseos y sobre todos sus sueños, siendo este relato uno de ellos.

Dirigida por Gabriel Gavila, tiene como base su propia historia personal, su vida real, vida que el mismo, Gabriel, nos presenta. Se trata de la historia de un hombre , de un chico, de cómo llegó a convertirse en el hombre que es ahora, que aparece ante nosotros. Pero esta historia no podía ser otra que la de un chico que tuvo que aprender a superar todos los obstáculos que la fatalidad le puso, obstáculos que cada vez eran más difíciles y que al final logró transformar en providencia, es decir, sacar provecho de ellos. Canciones, coreografías, fantasías materializadas, humor, amor, dolor y sueños no cumplidos hacen de "CHICOS FEOS " VOL I ( Intimo ) un completo espectáculo performático.


El actor Gabriel Gávila hace de si mismo, al igual que su compañero Axel Hahn, donde inician hablando sobre lo que será esta puesta en escena relacionándose con el resto de la trilogía y la carrera de su protagonista. Una interrupción hace que se quiebre el ego de Gabriel, quien se ve forzado a desnudar su alma relatando la historia de su vida, carrera, amores, sueños y decepciones. Así es como en este relato llega a identificarse como un "Chico Feo", alguien que segun él no se incluye dentro de los parámetros del hombre atractivo, teniendo al lado a un chico que goza de todas esas cualidades. Si bien la belleza y la perfección es subjetiva, pero en este caso vemos a los personajes a través de su mirada, de la forma en que el crítica y admira lo que cree que para los demás es lo perfecto. La puesta transita de manera cruda y sin verguenzas todos los momentos relevantes en su vida,en relación a sus emociones, y sobre todo la sexualidad,  cosas que hicieron a la persona que se encuentra actualmente en escena. Su relato es sincero, siendo el gran atractivo de la orba, que también el interés recae en su compañero, que además de ser una colaborador en las historias de Gávila,  aporta su mirada y reflexión de todos los hechos que suceden en la obra.

Los dos actores en escena se muestran de forma tal en que no tengan nada que esconder, sin miedo ni verguenza ambos se ponen a la par desnudando su alma y cuerpo, de manera en que la obra lo requiere. Si es cierto que el protagonismo recae en la persona por la cual está basada el espectáculo , pero del mismo modo, ambos dejan su presencia de forma equilibrada. Uno es el contraste del otro, tanto Gabriel necesita de Axel para que la obra funcione, y así en viceversa. Aquí podemos hablar de la atracción de los opuestos , ambos se complementan , siendo una pareja con una notable química,  donde el público se come la  historia de ellos gracias a sus sólidas interpretaciones.


Chicos Feos (Volumen I) es una obra íntima y muy sincera, donde su creador Gabriel Gávila, le regala al público una parte importante de su vida. Es un placer poder ser parte de un relato que brinda sin miedos los sentimientos de una persona que comparte a través del teatro su mirada sobre la perfección del hombre, o más bien su propia imperfección. Un excelente inicio que le da un cierre a una trilogía que ahonda la intimidad del género masculino, quedando a la espera del prometido show que le dará final a este fenómeno.

Ficha Técnica:
Autor y director: Gabriel Gavila.
Elenco: Gabriel Gavila y Axel Hahn.
Fotografía:  Laureana Cabrera.
Make up: Melina Acuña.
Vestuario y Escenografía: Ileana Vallejos.
Comunicación audiovisual:  Emmanuel Martinez.
Coach físico y coreográfico: Alexis Losada.
Stage Manager: Joaco Balverde.
Selección Musical: Joaco Balverde - Gabriel Gavila.
Asistencia de dirección: Federico Blanchet.
Asistencia de producción: Silvina Gonzalez.
Supervisión Artística: "Iti El Hermoso".
Supervisión Dramatúrgica: Maruja Bustamante.
Prensa & Difusión: Mariano Casas Di Nardo.

CONTACTO:FB : Chicos Feos
TW : @chicosfeos
IA: @chicosfeosarg
Correo: chicosfeosteatro@gmail.com

                                                     Daniel Alvarez

Crítica: Terrenal, de Mauricio Kartun

Hace unos años, tuve un profesor que fue de las personas que marcaron mi rumbo, y no había clase en la que no nombrara o haga referencia a Kartun, siempre. Tanto  insistía que yo también me interese por él, y ahí entendí el por qué de su admiración. Es que él logra que cada palabra cobre sentido, que sus metáforas resuenen y se conviertan en imaginación, consigue dejar pensando a través de sus verdades convertidas en ironías reveladoras, convierte sus obras en experiencias de múltiples sensaciones para el público.

Una versión conurbana del mito bíblico de Cain y Abel. Caín productor morronero. Abel vagabundo, vendedor de carnada viva en una banquina del asfalto que va al “Tigris”. Hermanos a los bifes compartiendo ese terreno, su edén berreta, partido al medio. La dialéctica imperecedera entre el sedentario y el nómade. Y Tatita, siempre ausente, que regresa al fin ese domingo melancólico.

Dos hermanos, Caín y Abel, han sido beneficiados por su padre con una parcela de tierra que ellos dividieron, para que hagan allí sus vidas. Caín dedicó su espacio a cultivar morrones y así ser un productor, con lo cual dicha actividad le permite el inicio a un proceso de enriquecimiento. Mientras que Abel, en cambio, es una suerte de vagabundo, que se emborracha con asados de por medio, y dedica su vida a vender carnada para pescar. Caín considera que eso es una plaga y Abel admira por su potencia de “torito”.

Una obra cuya dramaturgia está atravesada por innumerables referencias a la cultura argentina. Un hallazgo relacionado con la capacidad del montaje para hacerse entender, más allá de los códigos impuestos por su contexto histórico, geográfico y lingüístico.

Mauricio Kartun, toma la historia bíblica de Caín y Abel para explicar las consecuencias de abrazar el capitalismo o el ecosocialismo como modelos organizativos de la vida civilizada, Caín es un pujante empresario celoso de sus bienes y Abel un proletario feliz en su libertad.

En un escenario con dos telones a medio abrir, un músico en vivo que se deja entrever en la oscuridad, y un juego de contraste entre luces y sombras que se mantiene a lo largo de la obra, el trio de  Claudios (Da Passano, Rissi y Martínez Bel),no necesitan más nada para llevar esta obra, con actuaciones deslumbrantes, están en cada detalle, logran enfatizar en la palabra y se nota un trabajo de código que repercute, convence y funciona.

Terrenal  sensibiliza, con un autor que se anima a tomar posición ideológica. Acá no da todo lo mismo, no es una obra más, es imposible salir del teatro sin replantearse el modo en el que vivimos.

Ficha técnico artística

Autoría:Mauricio Kartun
Actúan:Rafael Bruza, Claudio Da Passano, Claudio Martinez Bel
Vestuario:Gabriela A. Fernández
Escenografía:Gabriela A. Fernández
Iluminación:Leandra Rodríguez6
Diseño sonoro:Eliana Liuni
Fotografía:Malena Figo
Asistencia de escenografía:Maria Laura Voskian
Asistencia de dirección:Alan Darling
Prensa:Daniel Franco, Paula Simkin
Dirección:Mauricio Kartun

TEATRO DEL PUEBLO
Av Roque Sáenz Peña 943
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4326-3606
Web: http://www.teatrodelpueblo.org.ar
Entrada: $ 280,00 - Domingo y Jueves - 20:00 hs
Entrada: $ 230,00 - Jueves - 20:00 hs
Entrada: $ 280,00 - Viernes, Sábado y Sábado - 21:00 hs

                                                    Julieta Ale 

Teatro: Critica, EL FRASCO

Un grupo de cinco (ya no más) amigos cuyo único sostén es un pasado común en el que supieron compartir guita, minas, robos y culpas, es convocado por uno de integrantes: David, que acaba de abandonar la cárcel y que busca recuperar el tiempo perdido y… venganza.

La obra está inspirada en la canción del mismo nombre de la banda uruguaya La Vela Puerca: “Una tarde manejando sonó esta canción, ya la había escuchado y cantado cientos de veces pero, no sé bien por qué, la escuché distinto (…) Recuerdo que dije en voz alta (iba sólo en el auto) "esto es una obra de teatro", nos cuenta Bruno González, director y dramaturgo del proyecto. La obra parafrasea la canción sin hacer alusión a la misma…”acompáñenme al otro lado que yo también soy malo”

El Frasco se desarrolla en Espacio Urbano, lugar que permite una disposición escénica peculiar y llamativa: los espectadores nos sentamos en los laterales del espacio ficcional. Los sostenes de la misma son su dramaturgia, la música y las actuaciones:

La dramaturgia produce una identificación inmediata en el espectador (¿Quién no se encontró con un grupo de (ya no más) amigos después de un tiempo?) Esta incluye diálogos profundos y reflexivos sobre la mentira, la amistad, la venganza, la familia y el amor así como otros hilarantes, como aquel en el que el Peque, al escuchar la palabra epifanía pregunta quién es Estefanía. La puesta no hace más que escoltar las palabras.

La música -en vivo-, a cargo de Uriel Arcángel Crosta y Gerónimo Luis González, acompaña los momentos de mayor tensión generando un clima que es acompañado por el lenguaje de las luces que están, también, correctamente elegidas.

Las actuaciones de Lucas Aldasoro, Matías Asenjo, Julián Mengido, Mauro Rey y Lucas Sulpizi no hacen más que reflejar el intenso año de ensayo que los actores atravesaron: “Improvisamos creando nuevas historias que quedaron sólo en los ensayos, pero nos sirvió como grupo para armar un imaginario y entender los conflictos de la obra” nos cuenta Mauro, a lo que Bruno agrega que el proceso creativo fue “Avanzando muy despacio, dando tiempo a que cada acción o propuesta madurara por sí misma, sin forzarla, logrando la máxima naturalidad posible” El grupo  tuvo que enfrentar peripecias varias, tales como la bajada de unos de los actores ¡una semana antes del estreno! Destaco este -no pequeño- detalle ya que muchas compañías no se atreverían a estrenar y ellos lo hicieron en forma y tiempo. La composición corporal de cada uno de ellos (cada cuerpo habla a su forma, cada uno es particular), las voces (volumen además de dicción, ¡se agradece!) y las distintas acciones a las que se someten (ejecutan un parto en escena, juegan un picadito, se golpean…) da muestra clara de que son actores predispuestos al juego.

El Frasco es un disfrute. El Frasco nos invita a indagar. El Frasco es una obra realizada con honestidad que hace que valga la pena abandonar el calor de nuestros hogares y el tan amado Netflix para ver teatro un domingo.

Estreno: domingo 4 de junio, 21:00 hs.
Funciones: domingos 21:00 hs. (20:30 hs. cata de vino)
Lugar: Espacio Cultural Urbano (Acevedo 460, CABA)
Entradas: $200 /  Desc. jubilados y estudiantes: $150
Reservas: 4854-2257
Duración: 90 min.

Ficha técnica
Dramaturgia: Bruno González
Actúan: Lucas Aldasoro, Matías Asenjo, Julián Mengido, Mauro Rey, Lucas Sulpizi.
Músicos: Uriel Arcángel Crosta, Gerónimo Luis González.
Diseño de Espacio: Betania Rabino
Diseño de luces: José Ignacio Ponce Aragón
Fotografía: Daniela Castelo
Asistencia de dirección: Cristian Trigueros
Arreglos musicales: Uriel Arcángel Crosta, Gerónimo Luis González
Cata de vino: Amantes del vino
Producción: Juan Pablo Rabino
Prensa: Octavia Comunicación 
Dirección: Bruno González

FB: Compañía Shift Happens / El Frasco 
IG: ShiftTecla

                                                    Grace Ulloa

Reseña: El Reino De María Elena Walsh

Las vacaciones de invierno es ese momento en que los chicos se encuentran en receso escolar, y resulta necesario llenar ese vacío en que los más peques se encuentran en la escuela, siendo un espacio para el aprendizaje y entretenimiento. El teatro también sirve para entretenerse y aprender jugando, así que no hay mejor momento para llevarlos a ver una obra dedicada para ellos. El reino de María Elena Walsh es una obra que revive las canciones de la famosa cantautora infantil,  haciendo divertir a chicos y grandes.

El cuarto de NICKI es el lugar adonde los sueños se hacen realidad, en él los muñecos cobran vida, cantan y bailan al ritmo de la magiade las canciones de MARIA ELENA WALSH y nos transportan a los recuerdos más queridos de nuestra infancia. La ternura y la voz deNicki y la gracia de los muñecos nos harán redescubrir a los entrañables personajes que viven en las maravillosas letras de las canciones: El aventurero Perro Salchicha, La estudiosa Vaca de Humahuaca, La entrañable Tortuga Manuelita, el Mono liso, el Brujito deGulubú, la aristocrática Reina Batata, por mencionar algunos, hacen de esta obra la delicia de grandes y chicos. Tocando lo más profundo de nuestros corazones y permitiéndonos conectar con los más pequeños a través de los sentimientos comunes que sólo esta maravillosa música puede hacernos sentir.

En el comienzo de la obra, nuestra anfitriona Nicki llama a los niños para que la ayuden a despertar a sus amiguitos, unos simpáticos muñecos que estan dispuestos a jugar, cantar y bailar con todos los que se encuentran presentes en el lugar. Así arranca una tarde de juegos donde se hacen presentes las más memorables canciones de María Elena Walsh, letras que la mayoría de los chicos y los grandes las conocen, haciendo que la participación sea con entusiasmo y alegría. 

Nicole Luis despliega todo su carisma y talento en el escenario del renovado Teatro Ludé, que junto a los demás personajes conectan perfectamente en relación al humor, la musica y el baile que brindan hacia el público.

El teatro Ludé (Ex teatro Santa María)  ha sido reabierto para contar con novedosas propuestas teatrales. Su espacio es bello y amplio, permitiendo que los niños puedan salirse de sus asientos para bailar y cantar, que es lo que sucede cuando conectan con la obra. La escenografía y vestuario con caracteristicas de las propuestas infantiles,  dando un tono colorido y alegre al lugar donde todos están invitados a jugar.

El reino de María Elena Walsh es una propuesta infantil que atrapa por el carisma y talento de sus artistas, además de las memorables canciones de la gran María Elena Walsh. Una obra para entretener a los más chicos en estas vacaciones de invierno. 

 
FICHA TÉCNICA

Protagónico: Nicole Luis

Elenco : Elias Gz  - Milagros Sandoval  - Camila Puelma- Jonatan Ortiz-Julian Moran

Producción : Verónica Vieyra

Diseño de Luces: Pablo Vaiana

Diseño de sonido: German Brusella

Coreografias : Elias Gz

Vestuario y Escenografía: Verónica Vieyra- Ruyina Abraham

Libro: Rubén Roberts

Dirección General: Manuel Wirzt

Producción General: Diego Djeredjian

Funciones martes a domingos 15:30hs

Valor de localidades: $300-

Teatro: 25 MILLONES DE ARGENTINOS, de Lisandro Fiks

El ser argentino ha hecho un culto de la violencia. Basta observar que expresiones son dominantes en nuestra clase dirigente, y no solo en ella.

"Una historia de amor en tiempos violentos... difícilmente termina bien"

Ana, una joven nacida en el seno de una familia militar, en oposición a su origen, comienza a militar secretamente en la juventud peronista. Así llega a enamorarse de un líder montonero y comienza a colaborar con dicha agrupación. Para justificar su ausencia se va a estudiar a La Plata. A causa de su embarazo decide regresar a su casa materna, por la contradicción que le generan los peligros de la lucha armada y su estado. Su madre, viuda desde hace un año, no logrará saber la verdad sobre su embarazo ni sobre sus años lejos de Buenos Aires. Durante los últimos días del mundial de fútbol de 1978, en un intento de colaborar desde su casa con un operativo guerrillero que parecía simple, termina inmersa en una red de conflictos que pondrán a prueba su valentía, su amor y su lealtad.

El ángel exterminador ha volado muchas veces en torno a nuestra historia: en 1810 pos revolución; las luchas fratricidas luego de nuestra independencia; la vergonzosa
alianza con brasileños y uruguayos para destruir un pueblo, en 1870; las matanzas en la patagonia de 1920; los bombardeos a la población en plena Plaza de Mayo;
fusilamientos, ejecuciones, desapariciones. Década del ´70. Los años de plomo, no fuimos exclusivos, casi toda Latinoamérica los padeció y buena parte del mundo occidental sufrió su estigma, el de la violencia. En ese mundo crispado, afiebrado, se desarrollan los acontecimientos narrados.

En una solitaria mesa, en casi penumbras, Ana da cuenta de su historia: la de joven enamorada, la de militante de una organización armada, las dudas, las certezas, las armas, las banderas y la voluntad. El amor en tiempos de guerra siempre tiene ese pathos de tragedia, de
megalomanía, posee el tinte rojo pasional de la sangre derramada. Ana es hija de un militar de alto rango y participa activamente en la organización
Montoneros. Está enamorada de Juan, líder montonero, de quién espera un hijo.
Para proteger su embarazo, Ana vuelve a casa de su viuda madre y desde allí
colabora con la organización.
Son los días del mundial de 1978, la gente enfervorizada en las calles, una fiesta popular es cierto, pero también una suerte de bacanal, permitida y utilizada por la dictadura militar en el poder.
Ana debe entregarle a Juan el uniforme de su padre fallecido, para la logística de
un atentado montonero. Todo se lo impide: su madre desconfía, visitas de una amiga, también la de un amigo de la infancia, un pretendiente que la “cuida” y
controla. Las cosas se complican y Ana termina detenida en las mazmorras del
régimen. En cautiverio le practican una cesárea, nada sabe de su hijo sietemesino, si vive o no. Al tiempo, es una de las pocas detenidas/desaparecidas que es liberada. Ana es una sobreviviente, con todo el dolor, los interrogantes, los miedos, la culpa, que acompañan a quién escapó de ese infierno.

Ana rememora en un intento de reconstruirse, de comprender y de volver a vivir.

La escena se divide en el espacio de la remembranza de la protagonista (cerca de 1990)y los del tiempo del mundial: la casa de la madre y el lugar de su cautiverio.

Bien diseñadas, unas proyecciones de la época, enmarcan y dan sentido a lo

narrado. Romina Fernandez, como Ana, despliega un doble recurso: el vivencial de los acontecimientos, y el reflexivo: su flashback. Su trabajo tiene la potencia y la mesura que permite identificarse con los sucesos y a la vez, observarlos. Buen trabajo el de esta joven actriz.

Todo el elenco resuelve con solvencia y expresividad.

El texto y la dirección, de Lisandro Fiks, despliega unos diálogos creíbles y dosifica

peripecias e información, en un ritmo que permite al espectador adentrarse en el

relato y reflexionarlo. Un digno espectáculo para ver con la cabeza atenta y el corazón espinado.

Elenco:

Romina Fernandes

Patricia Rozas

Carolina Darman

Manuel Novoa

Lisandro Fiks

Dirección y dramaturgia: Lisandro Fiks

Asistente de Dirección: Yoana Redondo

Los personajes de esta historia son ficticios, cualquier parecido con la realidad es absolutamente intencional.

Funciones: Sábados a las 22:30 horas.

Localidades $ 200.- Estudiantes y jubilados: $ 130.-

Reservas al 4951-3392 ó por alternativateatral.com

Espacio Teatral “El Ópalo” -  Junín 380 – CABA

                                         

                                             A. R. Belano

Reseña : The Rocky Horror Show Argentina

La versión argentina de The Rocky Horror Show ha llegado para quedarse, teniendo ya dos temporadas en la que cada función es literalmente una fiesta, todo eso gracias a la excelente puesta que se ha montado y al fervor del público fanático de este musical de culto.

La historia, narrada por El Criminólogo, cuenta cómo Brad Majors y Janet Weiss, después de una propuesta de matrimonio por parte de Brad, van a buscar a su viejo amigo y antiguo profesor, el Dr. Everett V. Scott.

En el camino se les avería una rueda del coche por lo que van a pedir ayuda a un castillo que han visto. Allí los recibe su mayordomo Riff Raff. Luego conocen a su hermana Magenta, a una groupie llamada Columbia y 18 Transilvanos que encuentran bailando el Time Warp (una tradición del planeta Transexual, en la galaxia de Transilvania) para celebrar La Convención Anual Transilvana.

Brad y Janet caen accidentalmente en el castillo de un científico loco y travestí (Frank N. Furter), este los hará partícipes de la creación del hombre perfecto para satisfacer todas las necesidades sexuales de este personaje. Así mismo, estos jóvenes (Boludo y gato, según la guía de participación)  se ven atrapados en un mundo donde predomina el sexo sin restricciones, y eso provoca que su monótona y aburrida relación sufra un cambio drástico desde que llegan al castillo. Para quien no conoce esta historia, sin dar muchos detalles sobre ella, toca decir que tiene muchas referencias al cine de terror clase B tanto en su temática como en su estética, pero que no es más que una pura comedia bizarra y musical que se ha convertido en un culto mundial desde los años 70′. La posibilidad que se le da al público de ser partícipe de este relato, hace que el disfrute sea mayor dependiendo de la calidad del público presente ese día,  en esta ocasión la gente ha respondido fervientemente todas las interacciones con la obra, celebrando principalmente en canciones como "Sweet Travestite " o en el famoso "Time Warp", donde los espectadores están mas que invitados a saltar de la butaca al compás de esta celebre y coreografiada canción. 

El invitado de esta semana ha sido Carlos Alfredo Elías, mucho mas conocido como Cae o el boludo que canta Te recuerdo, así es como comienza a relatar este show con mucho humor y guiños hacia el público.  El criminólogo si bien es un personaje que no realiza cambios significativos en la historia, resulta un personaje importante e indispensable para el buen disfrute de la misma.  Ya han sido muchos los artistas que han entrado al castillo de Frank y han dejado su marca haciendo a cada función especial y distinta.

Es sobresaliente el trabajo que han hecho todos los artistas que forman parte del elenco, todos saben perfectamente la locura que denota este show y saben llevarlo a cabo con gran profesionalismo.  

Cabe destacar como siempre el trabajo de Roberto Peloni en la piel de Frank N Furter, en el que muchos se atreven a decir que es como uno de esos casos en el que un artista ha nacido para hacer ese personaje. Son muchas las similitudes a la caracterización que ha hecho el famoso Tim Curry, siempre otorgando el histrionismo que denota en cada uno de los papeles que interpreta este artista en ascenso.

En cuanto a los aspectos técnicos,  cabe mencionar que el equipo de Rocky ha tomado la decisión de crecer en función a la calidad visual del espectáculo.  Debido al gran éxito que tuvo el año pasado, en esta temporada se han realizado muchos cambios en la escenografía e iluminación,  haciendo mucho más vistosa esta puesta que destella calidad en todos sus aspectos. La obra resulta un gran trabajo de todo el equipo,  desde el director, la producción y los artistas que hacen de este evento una festejo de grandes características. 

The Rocky Horror Show es literalmente una fiesta que se celebra cada martes en el Maipo, una obra que le rinde honor al culto que se ha formado a partir de este musical de los años 70'. Gran producción y talentosos artistas invitan al público para que celebren junto a ellos el excepcional show que se lleva a cabo todas las semanas en el castillo de Frank,  larga vida a Rocky...

Elenco

ROBERTO PELONI – Frank N. Furter

MELANIA LENOIR  – Magenta

FEDERICO COATES – Riff Raff

WALTER BRUNO – Brad Majors

SOFÍA RANGONE – Janet Weiss

IGNACIO PEREZ CORTES – Rocky

MICAELA PIERANI MENDEZ – Columbia

MAIA CONTRERAS – Dr. Scott / Eddy

Ensamble

LULI MUIÑO, LUCAS GENTILI, FACUNDO MAGRANÉ, MARIANO CONDOLUCI, ANA DE VICENTIIS, JULIA TOZZI

Coreografía: Alejandro Lavallen

Asistente de coreografía: Antonella Campaniello

Diseño de Escenografía: Ana Díaz Taibo

Diseño de Iluminación: Martín Rebello

Diseño de Vestuario: Javier Ponzio

Asesor Legal: Andrés Coll Areco

Stage Manager: Alan Gejtman – Gina Solorzano

Producción Ejecutiva: Victoria Saud – Estanislao Otero Vadéz – Nicolás Dal Farra

Dirección Musical: Lorenzo Guggenheim

Dirección: Andie Say

TEATRO MAIPO – Esmeralda 443 – CABA –

Funciones: Martes 21.15 hs.

Localidades: $400 – $500 y $550

https://www.plateanet.com/Obras/the-rocky-horror-show

Teatro: I.D.I.O.T.A, con Luis Machín y María José Gabín

I.D.I..O.T.A es una obra de teatro en la que su relato comienza a partir de una sesión psicológica que aparentemente tiene finalidades científicas, en la que someten a un individuo promedio a una serie de pruebas intentando expandir al máximo su intelecto mediante situaciones de presión. Lo interesante de esta puesta en escena es que también juega con el intelecto del público presente, que estará atento a los enigmas que se irán brindando, dejando hacia al final una sorpresa que dará sobre que pensar a más de uno. En fin, todos somos los idiotas que formamos parte de esta ingeniosa puesta teatral.

Un hombre se presenta a unas remuneradas pruebas psicológicas. Lo que él piensa que será una manera fácil y sencilla de conseguir el dinero que necesita para resolver sus problemas económicos se convertirá en una auténtica pesadilla de la mano de una atractiva psicóloga, quien, a través de preguntas y enigmas, le obligarán a dar lo mejor de sí si quiere evitar un fatal final.

La historia comienza en una sofisticada sala donde un hombre es llevado para realizar una serie de pruebas psicológicas, por las cueles se le ha prometido un pago por cincuenta mil pesos, una vez finalizada la sesión. Desde un principio podemos reconocer que el único interés de este hombre era el dinero que iba a recibir solo por someterse a una serie de preguntas, que para el iba a ser algo muy sencillo pero que al final se convierte en una tortuosa sesión donde debe abrir su mente al máximo si quiere proteger a los que más quiere. De esto se trataba la prueba, de someter a una persona que se encuentra por debajo del promedio a una presión constante para evaluar hasta que punto puede expandir su mente si no tiene otra opción más que hacerlo. A medida que las pruebas avanzan todo va subiendo de nivel, tanto los enigmas a resolver como a la gente que se le pone en peligro, hasta llegar a un punto en que todo explota, terminando con una ingeniosa resolución que deja en desconcierto al público pero que cierra perfectamente en las intenciones que se tenían para llevar a cabo esas prácticas muy poco ortodoxas. 

En cuanto a las actuaciones toca resaltar el trabajo de ambos actores en escena, tanto Luis Machín como María José Gabín brillan con sus personajes complementándose entre si en esta lucha de poderes e intelecto. El personaje de Machín en un principio resulta fastidioso y hasta desagradable por momentos, aunque una vez que se las pruebas se tornan cada vez más tengas su personaje evoluciona considerablemente, siendo eso lo que la historia buscaba en el y que su actor lo ha interpretado notablemente. El personaje de Gabín es rígido y constante durante toda la obra, ella tiene que demostrar poder sobre el examinado, ella es quien se encarga de dirigir este perverso juego donde no puede dejar nada al azar. Ella y su equipo quieren demostrar algo con este sometimiento, y sin entrar en previsibilidades, es algo que logran desde un principio pero que hacia el final el público lo llega a comprender.

I.D,I,O.T.A es una más que ingeniosa propuesta teatral, que juega con el intelecto de todos los presentes en la sala para brindar una obra divertida y muy inteligente. Gracias a las soberbias actuaciones de Luis Machín y María José Gabín podemos sumergirnos en una historia que resulta muy efectiva al tomarnos a todos por buenos idiotas. 

FICHA TÉCNICA

Autor: Jordi Casanovas

Adaptación: Daniel Veronese

Elenco Luis Machín – Maria José Gabin

Director: Daniel Verenose

Asistente de dirección y Stage Manager: Gonzalo Martínez

Diseño de escenografía: Jorge Ferrari

Diseño de iluminación: Marcelo Cuervo

Diseño de vestuario: Daniela Dearti

Diseño Gráfico: Diego Heras

Fotos: Alejandra Lopez

Producción ejecutiva: Luciano Greco

Coordinación técnica: Alberto López

Coordinación de producción: Romina Chepe

Productor General: Sebastián Blutrach

Funciones: miércoles a domingos 20.30 hs

Teatro Picadero - Pje. Enrique S. Discépolo 1857

Entradas: De jueves a domingo $ 450.    Miércoles precio popular $ 300

Teatro: MIEDO, de Ana Frenkel

Un espacio circular habitado por dos hombres y listones de madera.
Un vinculo misterioso, imprevisible. La vida, la supervivencia y el amor. La idea de unidad entre dos hombres, que podrían ser uno.

Dos hombres en un espacio circular. Un vínculo imprescindible, misterioso, entre ellos, la vida, la supervivencia y el amor, que deja entrever la idea de unidad entre esos dos hombres que podrían ser uno, con ellos y con su ámbito.
La obra nos invita a compartir el vértigo de lo más humano: el miedo y el coraje.
Un salto hacia el devenir incierto de cada instante. El humor, el movimiento, el espacio, la luz, lo sonoro componen un entramado que da forma a este mundo.

Se apagan las luces, se escuchan sonidos de pájaros, un hombre corre, el otro lo sigue.
Por momentos no se alcanzan, no hay rumbo, se abrazan, se contienen, se susurran, se calman.

Los listones de madera van encontrando forma., mientras que se percibe confusión, las corridas ya son parte de sensaciones de enojos y debilidad.

Manipulación de cuerpos y reproches coreografiados.

Se escucha música, los cuerpos se expresan, sienten, no necesitan palabras para hablar.

¿Te quéres ir lejos de mi? Es la pregunta que se hacen ambos.

Las maderas se van transformando en diferentes refugios.

Los cuerpos siguen hablando, expresiones corporales de cuerpos que se reconocen, sienten y se confunden .Melodías que van marcando encuentros y desencuentros, mientras los obstáculos que ellos mismos se imponen se derrumban de a dos.

Ana Frenkel apostó una vez más, a una propuesta innovadora, una puesta de cuerpos desplegándose mientras el sonido y los movimientos acompañan. Supo dar lugar a que Esteban Meloni y Diego Velázquez se expresen, y cuenten una historia sin necesitar hablarla.

Una obra en la cuál nada está dicho, no se pueden sacar conclusiones, solo dejarse llevar y replantearse el amor, la desolación y la supervivencia.

Agenda:
Estreno: 24 de junio, 22:30 h.
Función de prensa: sábado 15 de julio, 22:30 hs.
Funciones: sábados, 22:30 h.
Entradas: $200-.
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444). Sala Redonda.

Ficha Técnica:
Dirección: Ana Frenkel
Codirección: Daniela Bragone
Asistencia de dirección: Hugo Martínez
Producción: María José Schroeder
Intérpretes: Esteban Meloni y Diego Velázquez
Escenografía: Leandro Barzabal
Música: Diego Vainer
Diseño de vestuario: Cecilia Alassia
Diseño de iluminación: Paula Fraga
Fotografía: Constanza Niscovolos
Asesoramiento vocal: Diego Frenkel

                                                  Julieta Ale

Reseña: Quereme como quiero, de Gina Piccirili

Luego de una semana cargada de trabajo y estrés, no hay nada mejor que poder relajarse con una obra de teatro, suma si es una comedia que te hace olvidar de todas las complicaciones de la semana.
Quereme como quiero es una obra que cuenta 4 historias de parejas a modo de sitcom, una puesta que divierte al parodiar la realidad de muchas parejas.

La actriz y directora Gina Piccirilli, escribe y dirige una comedia en la que los personajes se hacen distintas preguntas acerca de las relaciones de parejas, pero que llegan a distintas respuestas según la mirada masculina o femenina al respecto.

En ella, cuatro parejas tienen distintos altercados y con la ayuda de sus amigos los afrontan. La primera de ellas es Ana y Jorge, una pareja que convive hace tres años pero ella presiente que él le es infiel, cosa que él niega; La segunda son Laura y Aldo, ella a raíz de lo mal que ve a Ana y los consejos de sus amigas, decide contarle a Aldo que hace un tiempo le viene siendo infiel con su profesor de yoga; La tercera son Catalina y Diego, ella al ver que él no le presta atención porque está trabajando, decide darle celos con un consolador, cosa que lo pone loco; Los últimos son Selva y Joaquín, una pareja bastante dispareja, ella una señora muy linda y el un joven guapo que tienen una gran diferencia de edad, después de una gran noche, ella se saca de sus cabales hablando de su ex marido y el que termina pagando es Joaquín, quien no hizo nada mal pero ella lo acusa de todo.

Según la óptica masculina y femenina son tan distintas las formas de pensar y hablar respecto a la relaciones, pero al final todos piensan una misma cosa: “Quereme como Quiero”.

Son cuatro parejas las que intervienen en esta comedia, son dos grupos de amigos que se dividen por sexo e interactuan hablando sobre sus situaciones amorosas en tres escenarios distintos. Los dos bares situados a un extremo de donde se ubica el publico funcionan como punto de encuentro entre los amigos que tienen algo para decir respecto a su persona y su vida en pareja, mientras que en el otro extremo, se encuentra una habitación donde sucederán cada una de las historias en pareja. Una mujer que es engañada, otra que es la que engañó, una discusión sobre la falta de sexo y una relación casual entre dos personas de edad dispar , son los relatos protagonistas de esta puesta en escena, que se destaca por su humor y realismo en cuanto a las relaciones. Aunque parezca simple su argumento, es muy interesante en la forma en que se han abordado estas historias, pareciéndose a las denominadas "Sitcoms" que brindan  historias episódicas con el afán de entretener sin importar el orden o la temática de sus relatos.  Si bien los personajes guardan relación entre si y la puesta esta armada como parte de un solo argumento, la realidad es que estamos viendo 4 pequeñas obras distintas que denotan humor desopilante en cada una de sus partes. La puesta es divertida, al punto que más de uno se sentirá identificado con alguna de las historias o los personajes , también destacando el premio sorpresa que hay al final de la obra , que dará mucho de que hablar.

La obra está presentada como una historia de cuatro hombres básicos con cuatro mujeres complicadas, y es así como ha sido interpretada, de manera muy eficaz. Cada personaje tiene su particularidad, sus características que denotan histrionismo en personalidades conocidas como el hombre infiel, el apasionado del fútbol, la que ruega por tener algo de acción, entre otros. Existe una complicidad entre los actores y el público, ya que en momentos los personajes hacen notar en la historia de que hay gente presente observando y entreteniéndose con sus acciones. La obra tiene un gran trabajo de dirección a cargo de Gina Piccirilli, quien ha armado una interesante estructura para presentar la obra en un intimo espacio , como lo es el Teatro El Damero.

Quereme como quiero es una entretenida comedia que resulta muy audaz en la forma en que se presentan estas pequeñas historias unidas por la amistad de dos grupos de hombres y mujeres que se relacionan entre sí. Se trata de una obra muy bien dirigida e interpretada por sus actores, capaz de hacerte olvidar de todo el estrés que puede generarte una semana intensa de trabajo. 

Ficha técnica.

Texto, puesta en escena y dirección: Gina Piccirilli.

Asistente de dirección: Laura Muñoz.

Elenco: Eliana Tobal, Fiorella Camji, Emiliano Marino, Marina Wein, Adrián Molino, Andrea Giase, Sebastian Urban y Leandro Barceló.

Vestuario: Pepe Uría.

Escenografía: Fernanda Caride.

Diseño de iluminación: Matías Burgueño.

Fotografía: Rey Triveño.

Diseño gráfico: Emiliano Rojas.

Producción: Antonella Lucini y Daniel Fazio.

*Todos los viernes a las 21hs., en el teatro El Damero, Deán Funes 506, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

*Reservas: 2060-2278 o por Alternativa Teatral. Costo de entrada: $200 (Descuentos para estudiantes y jubilados $150).

Crítica: EL DICCIONARIO

María Moliner (1900 -1981) fue bibliotecaria y filóloga. Y en 1962 publica un “Diccionario de uso del español”. ¿Ya había diccionarios?Sí. ¿Y cuál es entonces la particularidad de éste? El detalle: “de uso”. O sea, no solo el
significado de las palabras, si no también su función, sus relaciones con
otras, su etimología, giros idiomáticos, etc. Y qué, ¿Además del diccionario,
hace singular a Moliner? Ser mujer en un tiempo de absoluta dominación masculina, de dictadura, de fascismo sin vueltas como lo fue el gobierno de Franco. Una mujer que se atreve a brindar otras definiciones sobre las palabras, algo muy inquietante.

¿De qué nos habla verdaderamente la obra?

Acceder a su significado requiere de insistentes lecturas que vayan iluminando el camino hacia la esencia de un pensamiento que está más allá de la anécdota.

Manuel Calzada para este opus uno de su dramaturgia se inspiró en la vida de María Moliner. Una mujer reconocida y admirada por su "Diccionario del uso del español": una obra homérica con la que se atrevió a enfrentar a la dogmática y misógina Real Academia en tiempos del Generalísimo Franco.

La acción comienza cuando María visita a un neurólogo porque tiene problemas de memoria. El médico la quiere derivar a otro profesional pero de a poco el relato de su paciente lo va fascinando. En los diálogos con el médico, ella recuerda su pasado, su matrimonio, el nacimiento de los hijos, la depuración a la que fue sometida por los jueces franquistas por su Plan de Bibliotecas para la República, su decisión de hacer un diccionario y sus problemas matrimoniales generados por ese “hijo adicional”.

La obra culmina con María en su senilidad; apenas recordando sus amadas palabras y sin poder acceder al sillón que le correspondía en la Real Academia de la Lengua..

En realidad, lo que esa mujer de fábula había emprendido era una carrera de velocidad y resistencia contra la vida. En 1967 -presionada sobre todo por la Editorial Gredos, que la esperaba desde hacía cinco años- dio el diccionario por terminado. Pero siguió haciendo fichas, y en el momento de morir tenía varios metros de palabras nuevas que esperaba ver incluidas en las futuras ediciones. En 1972 su candidatura se presentó en la Academia de la Lengua, pero los muy señores académicos no se atrevieron a romper su venerable tradición machista. Ella se alegró cuando lo supo, porque le aterrorizaba la idea de pronunciar el discurso de admisión. « ¿Qué podía decir yo », dijo entonces, «si en toda mi vida no he hecho más que coser calcetines?». Con esa vida atípica Manuel Calzada elaboró una dramaturgia que conmovió, provocó risas, logró el reconocimiento de la crítica española y al mismo tiempo ganó el premio de mejor dramaturgia del 2014.



La obra (del español Manuel Calzada Pérez) da comienzo con María Moliner consultando a un prestigioso neurólogo, por algunos problemas en su memoria. Y en la búsqueda del origen del síntoma, surgen los recuerdos: su matrimonio con un catedrático también desplazado por el régimen; los hijos; su trabajo, metódico, obsesivo, disciplinado, su opus nigrum, ese, su diccionario. La búsqueda del significado y el orden de las palabras, que es
decir, el orden del mundo en un tiempo de oscuridad. Paradójicamente, Moliner sufre una enfermedad degenerativa que la lleva a
la pérdida de la memoria, en la última etapa de su vida. Maria Moliner es un ejemplo de que, aún en las peores circunstancias, el espíritu libertario busca y encuentra caminos de expresión. Y la palabra es tal vez uno de los mas reveladores.

La escenografía es dual, el consultorio del neurólogo y la casa de la
protagonista. El color blanco impregna a ambas dominando la escena, como
una metáfora de la página en blanco que invita a las palabras, a las imágenes, a los recuerdos. También alude al olvido.
El vestuario acorde con la época. La iluminación y la música, acompañan el
devenir del discurso escénico. Marta Lubos (ganadora del premio ACE y del María Guerrero por esta obra), realiza un trabajo minucioso, encuentra en los medios tonos un rango creativo, que evoca y conmueve. La actriz posee una voz singular que
resulta muy expresiva.Daniel Miglioranza, como el neurólogo y Roberto Mosca, como el esposo, resuelven con el oficio que ya nos tienen acostumbrados. Correcta la dirección de Oscar Barney Finn.


Ficha Técnica:

Elenco:  Marta Lubos,  Daniel Miglioranza,    Roberto Mosca
Dirección: Oscar Barney 

Voz en off: Osmar Núñez

Diseño de espacio: Oscar Barney Finn

Diseño y Realización Escenográfica: Eduardo Spíndola

Iluminación: Leandra Rodriguez

Vestuario: Mini Zuccheri

Diseño Gráfico: Leandro Correa

Fotos: Gatti Sofía Fotografías

Prensa: Duche&Zárate

Asistencia de dirección: Florencia Laval

Producción ejecutiva: Verónica Dragui

Funciones: viernes a las 20 hs. y domingos a las 18 hs.

Localidades: $320.- Estudiantes y jubilados: $ 260.-

El Tinglado Teatro - Mario Bravo 948 – 4863.1188




                                                    A. R. Belano